Archive for the Comédia Category

| Os Oito Odiados | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2016, Drama with tags , , , , , , , , , , , , on 1 de janeiro de 2016 by Lucas Nascimento

4.0

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Jennifer Jason Leigh é Daisy Domergue: a mais suja entre mal lavados

Filmes de Quentin Tarantino são praticamente um evento cinematográfico. O diretor e roteirista certamente tem ciência disso, afinal durante os créditos iniciais somos alertados de que trata-se de seu “oitavo filme”, o que não deixa de ser uma ironia que trata-se de algo batizado como Os Oito Odiados. Novamente se aventurando no faroeste, após o bem-sucedido Django Livre, Tarantino demonstra maturidade e surpreende, ainda que longe da perfeição.

A trama se passa uns dois anos após a Guerra Civil americana, no final dos anos 1800. Em uma forte nevasca, o caçador de recompensas Major Marquis Warren (Samuel L. Jackson) é acolhido por outro colega de profissão, John Ruth “O Carrasco” (Kurt Russell), que leva acorrentado consigo a prisioneira Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) para ser enforcada na cidade mais próxima. Em decorrência do clima opressor, eles são forçados a ser refugiar em uma estalagem, onde também residem Chris Mannix (Walton Goggins), o novo xerife de Red Rock, o carrasco Oswaldo Mobray (Tim Roth), o mexicano Bob (Demián Bichir), o confederado Sandy Smithers (Bruce Dern) e o vaqueiro Joe Gage (Michael Madsen).

Pelo estabelecimento da trama em um único local, e uma série de intrigas criadas entre seus personagens, é bem evidente que a premissa de Os Oito Odiados se aproxima bastante da do primeiro filme de Tarantino, Cães de Aluguel. Claro, com um orçamento maior e ambições maiores, a trama do faroeste é muito mais complexa e interessante do que vemos à primeira vista. À medida em que passam os capítulos da divisão habitual de Tarantino, descobrimos mais detalhes sobre o passado dos jogadores e o real contexto da história. É muito divertido como  a atmosfera da trama remete bastante a um jogo de tabuleiro, como Detetive, quando descobrimos que alguém ali pode ou não ter intenções letais.

O elenco é fantástico nesse quesito. Em mais uma colaboração com Tarantino, Samuel L. Jackson demonstra muita segurança e experiência na pele de um veterano de guerra, e um medo muito bem mascarado: “Você não sabe como é ser um negro nos EUA”, alerta Warris, que também mostra-se sombrio e perigoso; seu desempenho ao relatar um certo evento para o personagem de Bruce Dern é fabuloso, assim como a reação do veterano ator. Tim Roth e Michael Madsen eram dois atores que não davam as caras em um filme do diretor há um tempo, e se saem muito bem. Roth acerta em sua postura cortês e no sotaque britânico carregado (em muitas maneiras, ele preenche os sapatos de Christoph Waltz), enquanto Madsen mantém seu estilo misterioso e “cool”.

Kurt Russell também retoma a parceria após À Prova de Morte, fazendo de Ruth um sujeito extremamente escandaloso e paranóico, já que toma todas as medidas possíveis para garantir que ninguém lhe passe a perna na captura de Domergue (basta nos lembrarmos que ele está ACORRENTADO a ela). Mas é mesmo Jennifer Jason Leigh quem rouba a cena. Ainda que não fique claro no começo, ela é a personagem quem mais merece o título de “odiado” do título, jamais perdendo força ou charme, mesmo sendo esmurrada e estapeada por Russell durante quase toda a projeção. Suja até os pés de sangue e com os dentes quebrados, o discurso que a protagonista durante o último ato deve se destacar como um dos melhores momentos da carreira de Tarantino.

Para seu segundo faroeste, Tarantino apostou pesado. Aliado ao diretor de fotografia Robert Richardson, rodou o longa em película Ultra 70 mm, que permite uma razão de aspecto mais extensa e, assim, uma visão de campo muito mais estreita e vasta horizontalmente. As paisagens geladas de montanhas de neve ganham muito com o formato, que também revela-se curioso pela decisão de Tarantino de manter a trama toda em um único espaço. Visualmente, garante muito mais detalhes e ainda valoriza o trabalho do designer de produção de Richard L. Johnson na criação da estalagem, cuja decoração e objetos de cena revelam-se essenciais para algumas das pistas descobertas pelos personagens. A trilha sonora original de Ennio Morricone é outra valiosa adição, que ajuda o espectador a imergir em um clima de mistério e antecipação, dando pouco espaço para uma trilha sonora incidental pop (há apenas uma ocasião, com White Stripes).

Talvez o único problema seja o ritmo. Com quase 3 horas de duração, percebe-se que muito poderia ser reduzido se o montador Fred Raskin fosse mais habilidoso. Depois do “interlúdio” que separa o longa (que é inserido no melhor momento possível, palmas), o ritmo torna-se perigosamente lento, incluindo aí um capítulo em flashback que acaba se alongando muito mais do que o necessário. A conclusão também nos traz um Tarantino mais tímido, mas agrada pela quase inédita preocupação em abordar uma questão social relevante da história dos EUA.

Os Oito Odiados é mais um acerto para Quentin Tarantino, que realiza aqui um de seus experimentos mais maduros e desafiadores. Não atinge a perfeição de seus trabalhos anteriores, mas merece créditos pelo excepcional elenco reunido aqui.

Obs: Será um desafio para as salas de cinema conseguirem projetar com perfeição a película. Boa sorte.

| Ted 2 | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , , on 29 de agosto de 2015 by Lucas Nascimento

2.0

Ted2
Cinquenta tons de Ted

Nunca fui um grande conhecedor do humor de Seth MacFarlane, mas me diverti bastante com o hit surpresa Ted, em 2012, que fora sua estreia como diretor e roteirista no cinema. Porém, ano passado o criador de Uma Família Pesada entregou a decepcionante comédia faroeste Um Milhão de Maneiras de Pegar na Pistola, e agora, Ted 2 chega para confirmar que o acerto de MacFarlane em 2012 foi mera sorte de principiante.

Na trama, o urso falante Ted (MacFarlane) se casa com sua namorada Tami-Lynn (Jessica Barth) e anseia por ser pai, seja por doação de esperma de seu amigo John (Mark Wahlberg) ou através de adoção. Porém, o Estado se nega a considerar Ted como algo a mais do que uma propriedade (leia-se, um brinqued0), fazendo-o entrar numa batalha judicial para comprovar sua humanidade.

É uma premissa que diverte pelo absurdo, e que poderia muito bem ser transformada num pesado drama caso o protagonista não fosse um ursinho de pelúcia. E é aí que reside o grande problema de Ted 2, que revela-se uma obra assustadoramente descontrolada e sem sentido, que transita entre o humor escatalógico até cenas de tribunal que tocam seriamente em temas como escravidão e defesa de minorias, sem ter muita certeza aonde quer chegar. MacFarlane acerta em seu sempre eficaz trabalho vocal de Ted, mas como diretor, realmente deveria reconsiderar suas escolhas, já que a narrativa do filme é prejudicada por timing ruim de piadas, uma montagem inconstante e um ritmo tedioso.

Por exemplo, a trama principal com a advogada de Amanda Seyfried é constantemente interrompida por cenas aleatórias de John e Ted tentando causar algum tipo de humor, mas de nenhuma forma que caiba dentro da história: seja por aleatoriamente atirar objetos em corredores, referenciar Clube dos Cinco ou invadir um clube de stand-up para sugerir temas tristes como 11/9 ou Charlie Hedbo aos comediantes (essa fez rir, ok). De maneira similar, Liam Neeson e Morgan Freeman ganham participações sem graça, enquanto a narrativa é comprometida por uma entrada no road movie que simplesmente não empolga, mesmo que o roteiro de MacFarlane aposte pesado em referências pop – rendendo uma boa piada com Jurassic Park. Temos até uma grande luta na New York Comic Con (e pelas barbas de Odin, MacFarlane ganhou muita grana para promover brinquedos de Transformers…), mas que só entretém pela variedade de cosplayers envolvidos.

Nem mesmo a química de Wahlberg com o urso funciona muito bem aqui, principalmente porque o ator parece completamente desinteressado e a computação gráfica de Ted mostre-se estranhamente inferior à do primeiro filme. Seyfried também não rende boa participação, enquanto o vilão de Giovani Ribsi divirta, mas sem o impacto surpresa causado no longa anterior.

Falta a Ted 2 o humor certeiro e o roteiro bem elaborado do primeiro, limitando-se a uma trama sem graça e entediante, só pontualmente capaz de rir. Acho que Seth MacFarlane deveria pensar bastante antes de decidir arriscar-se no cinema novamente.

| Pixels | Crítica

Posted in Aventura, Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , , , , , , , on 30 de julho de 2015 by Lucas Nascimento

1.5

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Os “mini ghosts” encaram a ameaça de Pac-Man

Já faz muito tempo desde que, conscientemente, embarco num filme que traz em seu pôster o nome de Adam Sandler. Confesso que já me diverti bastante com as obras do ator quando criança, mas de uns tempos pra cá, Sandler foi transformando-se num ser insuportável e sem graça, assumindo que só trabalhava em alguns filmes “para viajar”, tendo até a própria Sony Pictures envergonhada de financiar seus projetos – como revelado no traumático leak do estúdio ano passado. Portanto, quando Adam Sandler é o fator mais suportável da aventura Pixels, sabemos que algo bem ruim nos aguarda.

A trama até parte de uma premissa interessante, quando uma raça alienígena misteriosa utiliza de figuras icônicas de videogames dos anos 80 para atacar a Terra. Em uma ação inesperada, o presidente dos EUA (Kevin James e não, isso não é uma piada mesmo) contata seu antigo amigo de infância (Adam Sandler) para liderar uma equipe especializada no assunto e salvar o planeta.

Parece muito o tipo de filme que sairia no final dos anos 80 ou começo dos 90, e confesso que esperava algo mais divertido de tal premissa. O roteiro de Tim Herlihy e Timothy Dowling adapta um curta-metragem homônimo de Patrick Jean, no qual Nova York era atacada por monstros em 8-bit. Infelizmente, o projeto caiu nas mãos da Happy Madison de Adam Sandler, que leva a história para uma direção infantilódie e povoada por piadas sem graça, machistas e apelativas: tudo bem se alguém acha engraçado o tipo de humor promovido por caras irritantes como Josh Gad e Kevin James – que basicamente só gritam como garotinhas e apostam em escatologias -, mas simplesmente não funciona para mim. Sandler não chega a perturbar, já que seu tipo é o mesmo em praticamente todas as suas produções e as piadas de seu personagem limitam-se a fazer referências pop (“Calado aí, Zack Efron”). Ha.

Pra piorar, enquanto seus personagens e situações são completamente ridículos (isso porque nem mencionei a pavorosa subtrama amorosa que envolve Michelle Monaghan), o longa inexplicavelmente tenta se levar a sério em seus momentos mais… Er, dramáticos? Ver Sandler perseguindo o Pac-Man num carro enquanto proclama para si mesmo num tom preocupante que “se falhar aqui, o mundo todo acaba” (eu juro que esperava um punch line) ou assumindo uma risível pose heróica num combate com o Donkey Kong inadvertivelmente transforma-se na piada mais inesperada de toda a produção. Porém, todas as subtramas que envolvem a relação de Sandler com o filho de Monaghan, a “discussão ética” sobre trapacear ou não e até discursos de amor verdadeiro, que envolvem a personagem Lady Lisa (é uma coisa tão idiota que senti voltade de xingar o roteirista em plena sessão), são igualmente hilários.

O diretor Chris Columbus até tenta trazer um pouco de ânimo com as cenas de ação, que chegam a ter certo dinamismo visual, com os planos mais unidimensionais durante o embate com Kong sendo eficientes na proposta de emular o estilo do videogame, mas não convencem quando temos protagonistas tão imbecis. Confesse, a única hora que é possível sentir algum ânimo é quando “We Will Rock You”, do Queen, começa a tocar.

Pixels começa com um conceito divertido, mas logo revela-se bobo demais para de fato funcionar, além de contar com um humor nada elegante de Adam Sandler e companhia.

| Cidades de Papel | Crítica

Posted in Aventura, Cinema, Comédia, Críticas de 2015, Romance with tags , , , , , , , , , on 9 de julho de 2015 by Lucas Nascimento

3.0

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Cara Delevingne e Nat Wolff

Com o sucesso estrondoso da adaptação para os cinemas de A Culpa é das Estrelas, a Fox agora promete apostar pesado no material do escritor John Green: filmes de orçamento modesto e que atraem milhões de fãs, logo, uma estratégia inteligente. E não é o pior dos cenários, já que perto de Nicholas Sparks e E.L. James, Green é Fitzgerald. Pois bem, se a primeira incursão do autor nas telonas era prejudicada por uma direção amadora e pretensiosa, este Cidades de Papel se beneficia de uma premissa mais envolvente, ainda que falhe em ser algo realmente memorável.

A trama é centrada no adolescente Quentin (Nat Wolff), que cresceu admirando sua misteriosa vizinha Margo (Cara Delevingne). Quando ela desaparece repentinamente, Quentin começa a descobrir pistas deixadas por esta, o que acaba por iniciar uma longa viagem para encontrá-la.

Mesmo que você possa até recordar da premissa de Garota Exemplar, o simpático filme de Jake Schreier (do indie Frank e o Robô) é realmente muito mais leve e sem reviravoltas envolvendo psicopatas ou camas ensopadas de sangue. Adaptada novamente pela dupla Scott Neustadter e Michael H. Weber, a história insere-se no clássico âmbito do “filme de formatura do ensino médio”, caindo nos mesmos clichês e situações típicas do gênero, até mesmo oferecendo um inesperado programa de auto ajuda ao longo de seus 95 minutos. A “investigação” e subsequente jornada por Margo podem não ser tão empolgantes como um thriller seria (aliás, curioso que nem a polícia ou os pais preocupem-se com o sumiço da filha), mas funcionam graças ao acertadíssimo humor, especialmente as referências a Pokémon e o nonsense da piada com Papais Noéis negros.

Sobre o elenco, vale apontar que Cara Delevingne é uma ótima promessa, que funciona ao transmitir a animação e as excentricidades de Margo. Ajuda também que a atriz tenha uma expressão misteriosa e sobrancelhas grossas, mas merece todo crédito pela boa performance. Já o protagonista Nat Wolf infelizmente não vai muito além da expressão dominante de um sorriso torto, criando um Quentin inexpressivo e pouco cativante, só funcionando quando contracena com os eficientes Austin Abrams e Justice Smith, que interpretam seus amigos Ben e Radar. Halston Stage também tem destaque com sua Lacey, mas sua inserção e interação com os outros personagens não convencem – principalmente quanto à subtrama do baile de formatura.

Cidades de Papel entretém por sua curta duração, mas é rodeado de clichês batidos e personagens pouco interessantes, ainda que sua moral sobre a amizade seja muito válida e Cara Delevingne revele-se uma boa promessa para o futuro.

Obs: Fãs de A Culpa é das Estrelas ficarão surpresos com uma inesperada participação.

| A Espiã que Sabia de Menos | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , , , , on 5 de junho de 2015 by Lucas Nascimento

3.5

spy
Melissa McCarthy heroína de ação? Yep

Não me lembro se já comentei aqui com vocês, mas aí vai: não suporto Melissa McCarthy. Não vejo a menor graça em Melissa McCarthy. Não compreendo como Melissa McCarthy já foi indicada ao Oscar por Missão Madrinha de Casamento. Não compreendo, Melissa McCarthy. Também não compreendo como fui parar naquela sessão não muito cheia de A Espiã que Sabia de Menos, mas confesso que me deparei com um filme muito mais divertido do que esperava.

A trama você já viu várias vezes: Quando todos a identidade de todos os agentes secretos da CIA é vazada para criminosos, a analista Susan Cooper (McCarthy) se voluntaria para uma missão que a colocará em campo pela primeira vez, envolvendo a venda de uma ogiva nuclear por terroristas.

É quase a mesma estrutura, passo a passo, de filmes como Johnny English e, principalmente, a – subestimada – adaptação de Agente 86 de uns anos atrás. Por isso, fica muito fácil prever cada reviravolta do roteiro de Paul Feig (também responsável pela direção), que infelizmente aposta em clichês batidos como a velha história do “personagem que forja a morte” ou de um “traidor que não é traidor”, e por aí vai. O mérito de Feig é mesmo nas surpresas e no absurdo de algumas piadas, que envolvem uma hilária participação especial e o próprio fato de McCarthy se sair muito melhor do que alguém poderia esperar numa luta física: esse absurdo desproporcional (a atriz não tem o físico que esperamos de um astro de ação, claro) ajudam a fazer rir e também construir bem sua Susan Cooper – sem falar que Feig manda bem no comando de tais sequências.

Mesmo não sendo admirador de McCarthy, confesso que gostei de sua performance e das surpresas de sua personagem: no ponto em que assume uma postura durona, é realmente animador vê-la xingando a dondoca de Rose Byrne de todas as formas possíveis. E ainda que o foco seja todo na protagonista, é Jason Statham quem rouba a cena em uma atuação surpreendentemente cômica, onde interpreta um espião britânico falastrão e grosseiro, notório por algumas das mais absurdas missões que você ouvirá falar – Feig e o ator certamente se divertiram durante os ensaios de uma cena em particular.

Jude Law também se diverte em uma clara paródia de James Bond (como o ato de constantemente arrumar seu cabelo durante combates) e a estreante Miranda Hart mostra-se uma boa promessa cômica. Ah, e que legal ver Peter Serafinowicz deixando de lado seus papéis mais sisudos (como em Todo Mundo Quase Morto ou no recente Guardiões da Galáxia) para mergulhar num agente italiano completamente tarado e canastrão.

A Espiã que Sabia de Menos é uma comédia eficiente que impressiona pelas quebras de estereótipos, como Melissa McCarthy funcionar como heroína de ação ou Jason Statham ser o cara mais engraçado da sala.

Obs: Há um divertido clipe após os créditos.

| Frank | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , on 16 de abril de 2015 by Lucas Nascimento

4.0

Frank
Frank: Michael Fassbender em uma performance desafiadora

Olhe fixamente para aquela cabeça gigante acima. O que você vê? O que ela quer transmitir com sua expressão fixa de peixe morto? Bem, só sei que durante meses de antecipação para o lançamento de Frank nos cinemas nacionais, sua cabeçona se tornou um ícone dentro de meus círculos de amizades, uma resposta que simbolizaria o simples “what the fuck?”. Durante boa parte da projeção do filme do irlandês Lenny Abrahamson, é exatamente essa a sensação.

A trama começa quando o criativo, mas fracassado, Jon (Domhnall Gleeson) vai buscando oportunidades para fazer sua música. Em um show de bar, ele conhece o grupo liderado pelo enigmático Frank (Michael Fassbender), que chama a atenção por constantemente usar uma cabeça gigante que esconde seu rosto. Contratado para ser o novo tecladista, Jon logo vai se acostumando com as excentricidades do grupo, visando apresentá-los no festival musical South by Southwest.

Frank é um filme incomum. Demora para que o roteiro de Jon Ronson e Peter Straughan realmente engate e mostre a que veio, constantemente brincando com as expectativas do público (como um repentino suicídio que acaba acionando um mini road movie em pleno segundo ato) e testando sua paciência. Boa parte do segundo ato concentra-se na banda criando músicas mais experimentais na cabana de Frank, pouco avançando a história, mas divertindo imensamente por nos jogar no meio da interação daquelas diferentes figuras, construindo também um estudo interessante sobre elas.

Frank, por exemplo, revela-se uma mente fértil ao encontrar inspiração em praticamente tudo ao seu redor. A sequência em que uma porta de madeira rangendo vai lentamente transformando-se numa nova composição do grupo é inspiradora, mostrando a eficiência da montagem de Nathan Nugent e também do trabalho de mixagem de som. A criativade do adorável cabeção é sutilmente contrastada com a obsessão de Jon em ser um sucesso, já que o diretor Lenny Abrahamson aposta em eficientes passagens em que o protagonista luta para encontrar inspiração (a cena inicial, quando junta pequenos detalhes de estranhos na rua é um exemplo), quase como um impulso forçado – enquanto Frank parece criar música espontaneamente, e é revelador que seu trabalho tenha uma significativa queda de qualidade (“Frank’s Most Likeable Song Ever!”) quando o festival vai se aproximando, já que o cabeção claramente vê na música uma forma de pura expressão, não fama.

E quanto à “cabeça dentro da cabeça”, resta dizer que Michael Fassbender teve um trabalho extremamente desafiador aqui. Como criar uma boa performance, capaz de dizer e significar muito sem o recurso mais valioso de um ator: o rosto? Escondido 90% do filme atrás da cabeça inexpressiva, Fassbender dá vida à Frank ao adotar uma postura física encolhida e dura, enquanto sua voz alterna estranhamente entre monótona e feliz. Aliás, o diretor de fotografia James Mather merece aplausos não só pelo trabalho acertado nas paletas de cor, mas por sutilmente iluminar de diferentes formas – e ângulos – a cabeça de Frank, quase criando expressões diferentes na mesma; ainda que não haja nenhuma troca na peça durante o filme.

Frank é um filme que diverte por sua estranheza, e pelo fascinante estudo que oferece a seu excêntrico personagem-título. Revela-se também uma obra que explora com esperteza as dificuldades da criação artística, e o real significado desta.

| Vício Inerente | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , , , , , , , on 26 de março de 2015 by Lucas Nascimento

4.0

InherentVice
Joaquin Phoenix é Doc Sportello

Não acontece com tanta frequência, mas vira e mexe e aparece um filme como Vício Inerente. Sétimo filme do cineasta único Paul Thomas Anderson, oferece uma narrativa torta, confusa e que indubitavelmente vai deixar uma grande parcela do público perdida em sua viagem chapada e desconexa de 2h30. Não é uma experiência das mais confortáveis – e também não diria satisfatória – mas certamente provoca fascínio.

Adaptada pelo próprio PTA da obra homônima de Thomas Pynchon, a trama… Vamos tentar organizar isso de forma coesa… A trama começa quando o detetive Larry “Doc” Sportello (Joaquin Phoenix) é surpreendido por sua ex-namorada Shasta (Katherine Waterston), que pede sua ajuda quando descobre o complô da esposa de seu amante, Mickey Wolfmann (Eric Roberts), para trancafiá-lo num hospício. Paralelamente, Doc analisa dois casos que se relacionam com Wolfmann de alguma forma: o sumiço de um saxofonista (Owen Wilson) e a fuga de um guarda-costas que estaria envolvido com neonazistas.

Estruturalmente, Vício Inerente é uma bagunça, mas curiosamente isso não precisa ser um defeito – dependendo do ponto de vista. Suas tramas misturam-se através de diálogos malucos e repletos de gírias, o que compremente o fluir da narrativa e a compreensão da trama geral (eu, por exemplo, tive que ler um resumo do filme para compreender todos os seus pontos de virada e conexões entre histórias). Podemos dizer que a narrativa acelerada, com um zilhão de personagens e acontecimentos, é um reflexo da própria mente de Doc, dominado pela paranóia e lentidão de seu constante uso de maconha – e a fotografia de Robert Elswitt sabiamente aposta em sequências em que o personagem encontra-se cercado por neblina, prestando também a devida homenagem ao visual icônico do cinema noir.

Colocar a platéia sob os olhos de um entorpecido é um experimento interessante, e PTA mantém sua técnica invejável ao apostar em longos planos e enquadramentos fechados, muitas vezes centrado apenas em diálogos que vão ramificando-se de maneira curiosa (uma provocante cena em particular que envolve Doc e Shasta é desde já um dos pontos altos da carreira do cineasta). As consequências e surpresas são muitas, e o humor caricato do filme é acertadíssimo; ainda mais pela performance noiada de Joaquin Phoenix, completamente imerso no papel do detetive. O elenco estelar ainda conta com ótimas presenças de Josh Brolin, Owen Wilson, Martin Short e a já citada Katherine Waterston, cuja mera presença sensual em cena já é absolutamente hipnotizante.

O filme acerta também na escolha de sua trilha sonora (tanto a original de Jonny Greenwood quanto a vasta seleção de músicas da década de 70) e no design de produção, que explora com criatividade uma Los Angeles povoada por criaturas bizarras e coloridas à sua própria forma. Seja na surtada reunião hippie que simula a Santa Ceia de Michelangelo com pizzas ou o excêntrico culto descoberto por Doc ao longo da investigação, PTA acerta em sua representação.

Mesmo com inúmeras qualidades, Vício Inerente não funcionará completamente para todos, como filme e experiência. Tem momentos de verdadeira maestria cinematográfica, mas é um filme difícil de se acompanhar e fácil de se perder, e que certamente necessita de uma segunda visita.

Leia esta crítica em inglês.

| Golpe Duplo | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015, Romance with tags , , , , , , , , , , on 16 de março de 2015 by Lucas Nascimento

5.0

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Will Smith e a estonteante Margot Robbie

Mesmo estando em cartaz a pouquíssimo tempo, Golpe Duplo já pode ser considerado um novo clássico que não demorará para encontrar seu lugar ao lado de O Poderoso Chefão, Cidadão Kane e 2001: Uma Odisseia no Espaço como um dos melhores filmes da História do Cinema.

A trama…

Golpe Duplo | Crítica (De verdade)

2.5

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Will Smith e a estonteante Margot Robbie

Desnecessário explicar que esta introdução foi eu enganando vocês, caros leitores, da mesma forma que o filme de Glenn Ficarra e John Requa faz constantemente ao longo de sua curta duração. E por mais que seja divertido ser surpreendido por reviravoltas, torna-se maçante quando aposta em explicações absurdas e saídas simplesmente… estúpidas. Pode-se tornar cansativo também. E óbvio.

A trama nos apresenta ao habilidoso golpista Nicky (Will Smith), que faz fortuna aplicando pequenos furtos com sua equipe. Ao conhecer a prodígio Jess (Margot Robbie), ele decide colocá-la sobre sua asa e ensinar-lhe os macetes do negócio. Tudo complica quando os dois se apaixonam em meio a um elaborado golpe que mira o argentino Garriga (Rodrigo Santoro).

O problema com Golpe Duplo é que tenta ser espertinho demais. O roteiro, também de autoria de Ficarra e Requa, gosta de criar sequências elaboradas de planejamentos e execuções que parecem requerir o trabalho de ilusionistas e feiticeiros para funcionar. E talvez a introdução de elementos místicos funcionasse melhor (ah não, espera, lembrei daquele Truque de Mestre) do que as explicações que a dupla oferece para a execução de tais golpes, que vão desde um uso bizarro de “Simpathy for the Devil” dos Rolling Stones até uma ressuscitação pulmonar nada medicinal. Quem assistiu ao filme anterior da dupla (o ótimo Amor a Toda Prova) sabe que sua capacidade de surpreender, mas o que eles propõem aqui é forçar amizade…

Admito que é divertido quando o longa sabe bem como brincar, especialmente na sequência em que Nicky parece se descontrolar ao apostar sobre os resultados de um jogo, e vemos como Ficarra e Requa realmente sabem como criar tensão (e a fotografia usa o desfoque com inteligência aqui, dada a filosofia do protagonista e o título original da produção), ou quando acompanhamos um personagem aleatório em uma série de ações igualmente aleatórias, apenas para que este cause uma batida de carro crucial; rendendo também um caprichado longo plano.

Mesmo que os créditos sempre tragam o nome de Will Smith primeiro – e o ator esteja habitualmente agradável -, é Margot Robbie quem rouba os holofotes. Não só por sua beleza absolutamente hipnotizante, mas também pelo imenso carisma e pelo arco de sua personagem, que é de longe o mais interessante, dada sua transformação em “quase” femme fatale – ainda que óbvio, mas a atriz faz valer a pena cada frame de sua participação. E sobre Rodrigo Santoro, resta dizer que sua participação passa longe de ser memorável, em um simples estereótipo do magnata ambicioso.

Golpe Duplo passa longe de ser um desastre, mas certamente é um filme muito menos inteligente do que se assume, podendo ao mesmo tempo divertir e provocar risos involutários com suas resoluções implausíveis. Porém Margot Robbie.

| Birdman (ou A Inesperada Virtude da Ignorância) | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015, Drama with tags , , , , , , , , , , , , , , , on 29 de janeiro de 2015 by Lucas Nascimento

4.5

Birdman
Michael Keaton é Riggan Thomson, assombrado pelo fantasma de Birdman

 Filmes como Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) nos fazem parar para observar o atual estado de Hollywood. Dominada por franquias multimilionárias, super-heróis e adaptações cinematográficas que visem o lucro, promovendo a fama de celebridades. Até onde tais obras são enxergadas como Arte pelos estudiosos? Qual o peso na carreira de um ator ao assumir, ou ainda por cima, abandonar uma franquia dessas? O novo filme de Alejandro G. Iñarrítu passa por essas questões, ao mesmo tempo em que

A trama assinada por Iñarrítu, Nicolás Giacobone e Alexander Dinelaris Jr & Armando Bo nos apresenta a Riggan Thomson (Michael Keaton), um ator de Hollywood que fora famoso no passado por interpretar o super-herói Birdman. Esquecido pelo público e apostando toda sua carreira e dinheiro, ele comanda e estrela uma ousada adaptação de uma peça de teatro na Broadway, tendo que lidar com atores de método (Edward Norton), sua filha recém-saída da reabilitação (Emma Stone) e seu próprio inconsciente, representado pela figura do super-herói.

Vamos tirar as obviedades do meio do caminho: Birdman é quase uma biografia não oficial do próprio Michael Keaton, sendo que o super-herói voador foi simplesmente substituído por um pássaro, mas a lembrança de seu Batman é sempre lembrada aqui, graças ao inteligente roteiro do quarteto. Esse toque de realidade aumenta muito o impacto do filme, ainda mais por trazer diversas referências a atores reais envolvidos atualmente no ramo de super-heróis (“Botaram capa nele também?”, reclama Riggan ao saber que Jeremy Renner estava em Os Vingadores ou a voz incosciente de Birdman afirmando que ele havia aberto caminho para todos os outros) e o próprio processo de criação/estudo de atores. O personagem de Edward Norton é particularmente interessante de se analisar, especialmente quando ele revela só ser capaz de ter uma ereção quando está no palco ou quando afirma que “a popularidade é a prima promíscua do prestígio”, revelando que, dentre todos ali, ele é o único realmente conhecedor do que é Arte.

O que nos traz de volta a Riggan Thomson, o ator que tenta alcançar a Arte ao mesmo tempo em que foge do esquecimento (e as batidas de relógio que dominam seu camarim são um discreto Relógio do Fim do Mundo que marca a chegada de seu grand finale) lhe proposto pela máquina de Hollywood. A performance de Keaton é intensa e ultra metalinguística, permitindo que o ator explore a vulnerabilidade (especialmente quando contracena com Norton), fraqueza e seus reais esforços para suceder – fornecendo também um trabalho vocal assustador na composição da voz interior de Birdman. Além de Keaton e Norton, Zach Galifianakis está surpreendentemente bom, Emma Stone surge intensa e carismática e Naomi Watts brilha quando a câmera lhe oferece mais espaço.

Sobre a direção de Iñarrítu, é algo completamente diferente de seus trabalhos anteriores. A fotografia suja, inquieta e granulada dá espaço a uma condução que simula um plano-sequência de 2 horas através de colagens muitíssimo bem ocultadas (e time lapses e mudanças de tempo são bem presentes, descartando a ideia de uma história em tempo real), provocando um efeito quase onírico. O diretor de fotografia Emmanuel Lubezki teve trabalho, e muito provavelmente terá seu trabalho árduo premiado com um segundo Oscar na categoria. Fico decepcionado com a ausência de Antonio Sanchez na categoria de Trilha Sonora, já que sua música primitiva e quase jazzística (só baterias e tambores aqui) traduzem todos os conflitos internos dos personagens. Só torço o nariz para os efeitos visuais que a produção emprega em alguns momentos, especialmente no voo de Riggan, que aparece assustadoramente artificial.

Birdman é uma obra inteligente e repleta de comentários ácidos sobre a indústria de Hollywood e os bastidores do mundo do teatro, explorando um impecável elenco numa narrativa guiada por uma visão de mestre de Alejandro G. Iñarrítu.

| Grandes Olhos | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015, Drama with tags , , , , , , , , , , , , , , , on 25 de janeiro de 2015 by Lucas Nascimento

3.5

BigEyes
Christoph Waltz e Amy Adams

Depois de anos mergulhado em histórias fantásticas povoadas por criaturas excêntricas como seu próprio estilo, Tim Burton resolveu parar e contar uma história sobre pessoas “normais”, e fico feliz que o tenha feito. Aguentei tudo que ele entregou até Sweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, mas suas baboseiras com Alice no País das Maravilhas e Sombras da Noite quase jogaram Burton no limbo. Com Grandes Olhos, Burton meio que se redime.

A trama é inspirada na história real do casal Margaret e Walter Keane (Amy Adams e Christoph Waltz, respectivamente) um casal de pintores que vivia uma boa carreira na década de 60. Margaret pintava seus característicos quadros retratando crianças com olhos desproporcionalmente grandes, enquanto Walter bancava o empresário e vendia suas obras. O problema é quando Walter começa a assumir todo o crédito pelo trabalho de sua esposa.

Nada de fadas, bruxas, vampiros ou outros seres “Burtonescos”, como Johnny Depp ou Helena Bonham Carter. A história também não é ambientada numa vasta mansão ou numa floresta gótica criada por efeitos visuais, mas sim uma pacata cidade da Califórnia. É certo dizer que Burton não contava uma história tão comum assim desde Ed Wood (não por acaso, o melhor filme de sua carreira), que me atinge como a principal influência para Grandes Olhos: é uma história comum, mas o diretor não esconde seu estilo e sabe dosá-lo apropriadamente, de acordo com a demanda narrativa. O Walter de Christoph Waltz, por exemplo, é uma figura gritantemente cartunesca, seja em seus acessos de raiva ou risadas de vitória.

Visualmente, Burton sabe muito bem a hora de jogar um enquadramento mais chamativo/expressionista (a pausa dramática, embalada pela música de Danny Elfman, quando um vendedor pergunta pelo real autor de uma pintura pela primeira vez é magistral) ou liberar todo seu “instinto” quando a trama alcança um momento onírico, no caso a ida ao mercado onde Margaret se depara com diversas pessoas com os olhos imensos. Toda a direção de arte – dos cenários aos figurinos – é eficaz ao criar um mundo colorido e vibrante que a fotografia de Bruno Delbonnel captura com beleza, ainda que não roube a atenção para si; é tão belo quanto uma pintura.

Tudo bem que em certos momentos não parece que estamos diante de uma história real, dado a abordagem mais cômica de Burton. Novamente, o Walter de Waltz (olha, que sonoro) e a Margaret de Adams parecem habitar universos diferentes, já que a performance da atriz é bem menos discreta e mais sutil do que a de seu companheiro. E mesmo tratando-se de acontecimentos verídicos, o roteiro de Scott Alexander e Larry Karaszewski poderia ser mais ácido, ou oferecer mais profundidade à questão do que é realmente Arte; um tema que este apenas tangencia brevemente.

Grandes Olhos é um dos trabalhos mais eficientes que Tim Burton trouxe nos últimos anos. Deixou de lado as fantasias góticas para se dedicar a uma história sobre seres humanos, e mesmo que esta não tenha sido empolgante quanto poderia ser, fico aliviado em ver que o diretor ainda sabe contar histórias.

Obs: Crítica publicada após a pré-estreia do filme em São Paulo, em 24 de Janeiro.