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| Boyhood: Da Infância à Juventude | Crítica

Posted in Cinema, Críticas de 2014, Drama with tags , , , , , , , , , , , , , , , on 30 de outubro de 2014 by Lucas Nascimento

4.5

Boyhood
Ellar Coltrane: 12 Anos de Atuação

Boyhood – Da Infância à Juventude é um filme difícil de se escrever sobre, já que mal posso considerá-lo como um filme. O indie épico de Richard Linklater está mais para uma representação da vida do que ficção, com seus atores se livrando de qualquer luxo ou estereótipo para adotar pessoas reais, em um filme cuja trama é, nada menos, do que a própria vida e os diferentes estágios desta.

Pra quem não sabe, aqui vai um breve resumo: em 2002, Richard Linklater começou a trabalhar em um projeto secreto que se estenderia até 2014, onde filmou a infância do ator Ellar Coltrane – em uma história ficcional, diga-se de passagem – por pouco mais de uma década. O que vemos em tela, é praticamente uma vida.

Richard Linklater é um cineasta único, com uma visão apaixonada dos objetos e personagens que opta retratar. Foi assim com Jovens, Loucos e Rebeldes, o filosófico Waking Life, sua carta de amor ao rock and roll com Escola de Rock, o falso documentário Bernie – Quase um Anjo e, mais notavelmente, na trilogia romântica iniciada com Antes do Amanhecer. Boyhood é um projeto muito mais ambicioso, remetendo diretamente às experiências de Michael Apted na série de documentários Up (onde entrevistava pessoas em diferentes estágios de suas vidas) ou à relação entre François Truffaut e o ator Jean-Pierre Aumont, que interpretou o mesmo personagem em diferentes filmes, em diferentes épocas. Aliás, Os Incompreendidos (estreia de Truffaut como diretor) é uma inspiração assumida de Linklater, não só para Boyhood, mas para toda sua carreira no geral.

Isso porque Linklater é habilidoso em retratar tudo da maneira mais espontânea e natural possível. Sua câmera está lá pra capturar momentos e uma trilha sonora instrumental não-diegética é inexistente aqui, dando espaço para uma variada mixtape de músicas pop/indie, o que diversas vezes nos faz questionar as barreiras entre ficção e realidade. É fascinante ver Ellar Coltrane crescendo e aprendendo a atuar, especialmente porque seu Mason é um adolescente com uma visão muito específica a respeito do mundo. Tanto Ethan Hawke quanto Patricia Arquette (a última, principalmente) estão excelentes como os pais de Mason, e é igualmente impressionante ver os distintos estágios que a mãe enfrenta durante a projeção; culminando um sincero e emocional desabafo, cujo apelo certamente é universal.

E o filme também é divertidíssimo. As referências de dez anos atrás – registradas dez anos atrás, olha só – quase transformam o filme em uma máquina do tempo, seja para desenterrar desenhos como Dragonball e o início do Funny or Die ou para prever o futuro, como quando Mason e seu pai se perguntam se algum dia haveria um novo filme de Star Wars. “O Retorno de Jedi é o fim. O que daria pra fazer depois disso? Transformar Han Solo num Lorde Sith?”

Em seus momentos mais profundos, Boyhood: Da Infância à Juventude é capaz de se transformar um espelho, fazendo com que o espectador olhe para si mesmo e identifique-se com os eventos do longa, em busca de uma catarse. Certamente trouxe um forte impacto em mim, não apenas como cinéfilo, mas como ser humano.

É um filme sem igual.

| Foxcatcher: Uma História que Chocou o Mundo | Crítica

Posted in Cinema, Críticas de 2014, Drama with tags , , , , , , , , , , , , , , , on 16 de outubro de 2014 by Lucas Nascimento

4.0

Foxcatcher
Steve Carell é John du Pont

Bennett Miller é um nome que não deve ser esquecido. Mesmo tendo comandado apenas três longas, o diretor vem se mostrado um dos mais interessantes e habilidosos da nova leva, sempre adotando uma abordagem engajante com seus diferentes tema. O crime em Capote, o beisebol emO Homem que Mudou o Jogo e agora, a luta olímpica com Foxcatcher: Uma História que Chocou o Mundo. Nenhum desses filmes é unicamente sobre os respectivos temas, claro, e é com seu novo trabalho que Miller mira mais alto do que nunca.

Roteirizada por E. Max Frye e Dan Futterman, trama é inspirada em eventos reais ocorridos na década de 80. O lutador Mark Schultz (Channing Tatum) treina duro para ser o melhor do mundo, mas não consegue sair da sombra de seu irmão Dave (Mark Ruffalo), não só melhor lutador, como também um chefe de família atencioso. A situação se transforma quando Mark é convocado pelo milionário John du Pont (Steve Carell) para liderar seu time, Foxcatcher, e ser campeão mundial na modalidade.

Ao contrário do que o subtítulo nacional sensacionalista possa sugerir, Foxcatcher é um filme quieto e que leva o tempo que julga necessário para engatar suas ações. O silêncio já virou quase que uma marca registrada de Miller, que opta por uma presença pontual de trilha sonora (mas quando surge, Mychael Danna e Rob Simonsen oferecem o tom sombrio apropriado) e muito destaque para ruídos e as próprias vozes de seu elenco. O primeiro ato do filme realmente demora a engatar, e de nem de longe é a tensão constante vendida pela campanha de marketing do longa, mas o silêncio é um fator decisivo para as performances principais. Steve Carell, por exemplo, depende muito de pequenos suspiros e nuances em sua controlada performance como o complexo du Pont. Se eu temia que o ator fosse aparecer cartunesco aqui, fiquei tranquilo ao vê-lo adotando um tom de voz baixo e jamais pendendo para o overacting – ajuda também a decisão de Miller de jamais explorar a figura do sujeito (o nariz, ou a silhueta que este poderia projetar), sempre tratando-o como mais um personagem, como fica evidente logo em sua discreta primeira aparição; algo que um diretor mais escandaloso seria incapaz de alcançar.

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Channing Tatum e Mark Ruffalo como os irmãos Mark e Dave Schultz

Carell está bem e o papel realmente é um novo estágio de sua carreira, mas é realmente Channing Tatum quem rouba o show. O ator prova aqui todo o seu potencial dramático e, como Carell, se sai bem ao apostar na sutileza. Quase sempre com a cabeça baixa e uma expressão séria que sempre coloca Mark como um sujeito infeliz e até mesmo fracassado (mas ambicioso), o ator protagoniza intensos momentos físicos e psicológicos, impressionando também com sua química curiosa com Mark Ruffalo. Este, aliás, também está excelente como aquela que é a figura mais pura da projeção, convencendo quando aparece para auxiliar seu irmão. Uma cena em especial nos ilustra com perfeição a diferença entre os dois, quando Dave explica a técnica para um determinado golpe para a equipe, enquanto Mark surge no canto oposto malhando suas pernas, como se acreditasse que a capacidade física é o único fator relevante na modalidade.

Mas como falei lá atrás, o filme carrega muito mais do que uma mera história esportiva. Em Foxcatcher, encontramos temas que vão desde a manipulação da câmera até, principalmente, a fragilidade da filosofia americana do self made man. A cena final do filme é crucial para que a mensagem atinja em cheio, especialmente com os gritos eufóricos de “USA”, completamente irônicos no momento em questão. A câmera também chama muito a atenção, especialmente na forma como ela se reflete nos personagens principais: Dave não assiste ao vídeo trazido por seu irmão (por estar ocupado com a família) e não sabe como se comportar durante a realização de um documentário idealista sobre du Pont; Mark é completamente hipnotizado e convencido da superioridade de du Pont ao assistir, colado na frente da televisão, um vídeo sobre a dinastia da família. E, finalmente, du Pont realiza sua decisão fatal após assistir ao dito documentário sobre sua figura, quase como se motivado por este.

Sutil e inquietante Foxcatcher: Uma História que Chocou o Mundo impressiona por seu elenco poderoso e a execução cuidadosa adotada por Bennett Miller, que certamente vai afastar boa parcela do público. E novamente fica a prova de que se é possível abordar temas complexos a partir de uma premissa aparentemente fechada.

Mais um ponto para Miller.

Obs: Esta crítica foi publicada durante a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.

| Jobs | Ashton Kutcher se esforça na biografia de um ícone da informática

Posted in Cinema, Críticas de 2013, Drama with tags , , , , , , , , , , , , , , , , on 5 de setembro de 2013 by Lucas Nascimento

3.0

Jobs
Ashton Kutcher é Steve Jobs: casting acertadíssimo, mas compensador?

Não é preciso procurar muito por influências de Steve Jobs em nosso cotidiano. Por exemplo, a primeira coisa que fiz terminada a sessão de Jobs foi checar meu Iphone para novos emails ou mensagens. Claro, o smartphone não é um artefato exclusivo da poderosa Apple, mas sem dúvida alguma é o mais cobiçado e o que promove maior “status”. Mas deixando a informática de lado, resta dizer que a cinebiografia de Joshua Michael Stern é uma obra competente, ainda que longe da perfeição.

O roteiro de Matt Whiteley faz um apanhado geral sobre a vida de Jobs (Ashton Kutcher), partindo desde o momento em que este larga a faculdade para se dedicar à indústria de computadores, até a nova fase da Apple no mercado (iniciada em meados dos anos 90).

Confesso que não conheço muito a história de Steve Jobs (pra ser sincero, sou nulo em praticamente todas as biografias envolvendo empresas de internet), então fica díficil julgar o quanto no filme é fato e o que é ficção. Mas algo perceptível é o tratamento quase sagrado fornecido a Jobs: reparem como o diretor de fotografia Russell Carpenter constantemente joga a contra luz no rosto de Ashton Kutcher, proferindo-o uma imagem quase “divina”, característica associada mais ao lado mítico do que humano do personagem. Claro que Whiteley acerta ao trazer à tona diversas imperfeições de Jobs (como mentir o valor do pagamento por um serviço a seu amigo ou sua obsessão com design), mas nunca ocorre uma análise profunda às suas ações; Jobs é sempre a vítima, algo que a trilha sonora extremamente apelativa de John Debney faz questão de nos lembrar.

Mas, em um longa biográfico, todos os olhos se viram para a performance protagonista. Despertando a insegurança de muitos ao assumir o papel, eu pessoalmente fiquei impressionado com o trabalho de Ashton Kutcher e a competência do ator ao lidar com um papel dramático (porque para mim, ele sempre, sempre, será o Michael Kelso de That’ 70s Show) e até estabelecer maneirisimos que o ajudem a ilustrar a imagem do personagem – principalmente o andar relaxado que Kutcher opta por usar durante toda a projeção. Claro que é uma performance favorecida pela (incrível) semelhança física do ator com o fundador da Apple mas – mesmo que aqui e ali brote um overacting – é um trabalho notável e nitidamente esforçado.

Sobre o elenco de apoio, é incrivelmente piloto-automático. Salva-se o Steve Woz de Josh Gad, sócio e amigo pessoal de Jobs. O ator é introduzido como um péssimo alívio cômico que raramente funciona, mas que explode as expectativas ao protagonizar uma única cena que compensa toda a sua participação no longa (e é também uma das melhores da fita) e apresenta uma, até então, inexistente carga dramática. Você saberá exatamente de qual cena estou falando quando a ver.

Dirigido de forma contida e sem ousadias pelo novato Joshua Michael Stern, Jobs é um filme competente e que – mesmo não sendo 100% acurácio – é capaz de trazer o espectador para dentro de sua narrativa. Mas algo impactante como Steve Jobs merecia, no mínimo, uma obra no mesmo nível de A Rede Social.

E aí, que tal chamar Aaron Sorkin para O Legado Jobs?

Obs: Antes dos créditos finais há uma bela montagem de fotos que compara o elenco com seus respectivos personagens na vida real.

| MIB – Homens de Preto 3 | Um bem-vindo (e satisfatório) retorno

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2012, Ficção Científica with tags , , , , , , , , , , , , , on 26 de maio de 2012 by Lucas Nascimento


Túnel do tempo: O agente J (Will Smith) e o rejuvenescido agente K (Josh Brolin)

No quarto parágrafo, há algumas revelações sobre a trama (nada muito revelador, mas esteja avisado)

Viagem no tempo sempre foi um dos temas mais interessantes da ficção científica no cinema, tendo ganhado boas obras que fazem jus a seu imenso potencial – a maior delas, sem dúvidas é a trilogia De Volta para o Futuro. E é justamente dessa fonte da qual MIB – Homens de Preto 3 toma bastante inspiração, rendendo uma aventura divertida e que rende ótimos momentos.

A trama traz o agente J (Smith) voltando para o ano de 1969, na tentativa de salvar seu parceiro K (Jones) do perigoso alienígena Boris, o Animal (Jemaine Clement) que após assassiná-lo no passado, criou uma realidade alternativa onde a Terra é vítima de uma invasão. Com a ajuda do rejuvenescido K (Josh Brolin), J deverá impedir o vilão e salvar o mundo.

Foram dez anos desde o último MIB, e se o longa anterior não alcançava o mesmo nível do original, já é um progresso notar como o terceiro filme já é um aprimoramento. O roteiro de Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson e Michael Soccio (apesar de apenas Cohen ser creditado) mostra-se mais forte e melhor trabalhado, ousando (e divertindo-se) com os conceitos de viagem no tempo. Muitas vezes na forma de Griffin (o relaxado Michael Stulhbarg, de Um Homem Sério), o texto cria discussões interessantes ao mesmo tempo em que brinca com a ideia de que uma simples ação pode mudar o futuro de meios inimagináveis (vide a piada com K esquecendo a gorjeta).

Dentro dessa lógica de viagens no tempo, é importante ressaltar que o diretor Barry Sonnenfeld não as leve tão a sério (e nem deveria, já que isso é uma comédia). No entanto, isso não impede que os roteiristas cometam erros enormes de continuidade. Exemplo: quando J luta contra Boris no clímax, ele usa o dispositivo de viagem no tempo para retornar há alguns minutos atrás e aprender os golpes de seu oponente. Mas ao voltar no tempo, deveria haver dois agentes J (da mesma forma como acontece com Boris, que retorna e alia-se com sua própria versão de 1969) e não um agente J que tenha a consciência da informação que acabou de obter. Não sou nenhum expert no assunto, mas há uma irregularidade aí.

Ainda assim, com o cenário seiscentista bem estabelecido (há espaço para boas gags envolvendo celebridades da época), o elenco consegue trabalhar à vontade. Will Smith está habitualmente carismático e Tommy Lee Jones mantém sua boa presença – mesmo que em tempo consideravelmente menor em tela – mas quem chama a atenção é o ótimo Josh Brolin, que recria com sucesso e maestria os maneirismos de Jones como o jovem K, conseguindo também acrescentar uma camada de sentimentalidade ao personagem e uma química genuína com Smith – merecendo uma indicação ao Oscar pela impecável performance. Do lado alienígena do elenco, Jemaine Clement faz de Boris um belo vilão, mesmo que o mérito de sua presença fique mais em sua caracterização do que atuação.

Acertando também nas sempre incríveis maquiagens de Rick Baker, MIB – Homens de Preto 3 é um belo entretenimento e que traz conceitos de viagem no tempo muito interessantes e momentos sentimentais convincentes. Citando Griffin, essa é uma realidade na qual o terceiro filme se sai até melhor do que o primeiro.