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| Vício Inerente | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2015 with tags , , , , , , , , , , , , , , , , on 26 de março de 2015 by Lucas Nascimento

4.0

InherentVice
Joaquin Phoenix é Doc Sportello

Não acontece com tanta frequência, mas vira e mexe e aparece um filme como Vício Inerente. Sétimo filme do cineasta único Paul Thomas Anderson, oferece uma narrativa torta, confusa e que indubitavelmente vai deixar uma grande parcela do público perdida em sua viagem chapada e desconexa de 2h30. Não é uma experiência das mais confortáveis – e também não diria satisfatória – mas certamente provoca fascínio.

Adaptada pelo próprio PTA da obra homônima de Thomas Pynchon, a trama… Vamos tentar organizar isso de forma coesa… A trama começa quando o detetive Larry “Doc” Sportello (Joaquin Phoenix) é surpreendido por sua ex-namorada Shasta (Katherine Waterston), que pede sua ajuda quando descobre o complô da esposa de seu amante, Mickey Wolfmann (Eric Roberts), para trancafiá-lo num hospício. Paralelamente, Doc analisa dois casos que se relacionam com Wolfmann de alguma forma: o sumiço de um saxofonista (Owen Wilson) e a fuga de um guarda-costas que estaria envolvido com neonazistas.

Estruturalmente, Vício Inerente é uma bagunça, mas curiosamente isso não precisa ser um defeito – dependendo do ponto de vista. Suas tramas misturam-se através de diálogos malucos e repletos de gírias, o que compremente o fluir da narrativa e a compreensão da trama geral (eu, por exemplo, tive que ler um resumo do filme para compreender todos os seus pontos de virada e conexões entre histórias). Podemos dizer que a narrativa acelerada, com um zilhão de personagens e acontecimentos, é um reflexo da própria mente de Doc, dominado pela paranóia e lentidão de seu constante uso de maconha – e a fotografia de Robert Elswitt sabiamente aposta em sequências em que o personagem encontra-se cercado por neblina, prestando também a devida homenagem ao visual icônico do cinema noir.

Colocar a platéia sob os olhos de um entorpecido é um experimento interessante, e PTA mantém sua técnica invejável ao apostar em longos planos e enquadramentos fechados, muitas vezes centrado apenas em diálogos que vão ramificando-se de maneira curiosa (uma provocante cena em particular que envolve Doc e Shasta é desde já um dos pontos altos da carreira do cineasta). As consequências e surpresas são muitas, e o humor caricato do filme é acertadíssimo; ainda mais pela performance noiada de Joaquin Phoenix, completamente imerso no papel do detetive. O elenco estelar ainda conta com ótimas presenças de Josh Brolin, Owen Wilson, Martin Short e a já citada Katherine Waterston, cuja mera presença sensual em cena já é absolutamente hipnotizante.

O filme acerta também na escolha de sua trilha sonora (tanto a original de Jonny Greenwood quanto a vasta seleção de músicas da década de 70) e no design de produção, que explora com criatividade uma Los Angeles povoada por criaturas bizarras e coloridas à sua própria forma. Seja na surtada reunião hippie que simula a Santa Ceia de Michelangelo com pizzas ou o excêntrico culto descoberto por Doc ao longo da investigação, PTA acerta em sua representação.

Mesmo com inúmeras qualidades, Vício Inerente não funcionará completamente para todos, como filme e experiência. Tem momentos de verdadeira maestria cinematográfica, mas é um filme difícil de se acompanhar e fácil de se perder, e que certamente necessita de uma segunda visita.

Leia esta crítica em inglês.

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| O Grande Hotel Budapeste | Crítica

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2014 with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on 3 de julho de 2014 by Lucas Nascimento

5.0

TheGrandBudapestHotel
Gerações: o ápice da carreira de Ralph Fiennes, a bela descoberta Tony Revolori

Foi com Moonrise Kingdom, em 2012, que adentrei no universo único e bizarro comandado pelo lorde Wes Anderson. De lá pra cá, pude conhecer melhor a carreira do diretor que inclui ainda Pura AdrenalinaTrês é Demais, Os Excêntricos Tenenbaums, A Vida Marinha com Steve Zissou, Viagem a Darjeeling e O Fantástico Sr. Raposo. Ainda me restam duas obras para conferir, mas duvido que estas possuam o charme indescritível de O Grande Hotel Budapeste.

A trama é inspirada nos trabalhos do autor austro-húngaro Stefan Zweig, e se concentra no outrora luxuoso e prestigiado hotel europeu do título. A história tem início quando um escritor (Jude Law) entrevista o atual dono do hotel (F. Murray Abraham), cujo discurso regressa à década de 30 para narrar uma história de roubo de arte decisiva para o destino do local.

Em primeiro lugar, você já deve ter parado pra olhar o pôster desse filme. Eu me pergunto: quantas vezes já vimos um elenco tão incrível, estrelado e talentoso como esse? Poucas, de fato. Falar sobre cada um dos intérpretes que dividem a tela levaria tempo, então limito-me a dizer que estão todos impecáveis, e Anderson é perfeitamente capaz de distribuir suas respectivas participações. Claro que o divertidíssimo concierge de Ralph Fiennes (naquela que é certamente a melhor performance de sua carreira) e o mensageiro vivido pelo estreante Tony Revolori dominam maior parte da narrativa, mas o estelar elenco “coadjuvante” é perfeitamente capaz de brilhar em seus pequenos momentos; o que inclui a turma habitual de Anderson, trinca formada por Bill Murray, Jason Schwartzman e Owen Wilson.

Se você comprou ingresso para um filme de Wes Anderson mas nunca ouviu falar no sujeito, saiba que o cara é um dos profissionais mais autorais da Sétima Arte. Sua obsessão milimétrica pela simetria visual surge fortíssima em O Grande Hotel Budapeste, mas dessa vez beneficiando-se do genial design de produção de Adam Stockhausen, que acerta na arquitetura quase monárquica do hotel, ao mesmo tempo em que preserva características cartunescas típicas da carreira de Anderson. Aliás, vale mencionar como o diretor e o fotógrafo Robert D. Yeoman se divertem ao brincar com as diferentes razões de aspecto da tela: desde o formato 4:3 (imagem menor, num formato quadrado) para as cenas na década de 30, até o glorioso cinemascope nas cenas mais contemporâneas. É quase uma aula sobre a evolução da câmera cinematográfica.

E mesmo com todo o perfeccionismo plástico, o roteiro de Anderson jamais deixa de fascinar com sua bizarra trama. Essencialmente uma comédia com tons de heist, investigação e até mesmo de fuga de prisão, e sempre nos surpreende por seus rumos inesperados e as diferentes e multifacetadas figuras que movem suas ações. Há de parabenizar o excepcional trabalho de montagem de Barney Pilling, que não só é eficiente ao exibir cortes e transições dinâmicas, mas também pela decisão de iniciar a projeção de forma descontínua, encontrando a justificativa nos segundos finais.

O Grande Hotel Budapeste é desde já um dos melhores trabalhos de 2014, e comprova que o invencionismo visual de Wes Anderson não atrapalha na condução de uma história que abraça o nonsense. Pelo contrário, ajuda e diverte.

Caramba, talvez seja um dos filmes mais divertidos que eu já vi na vida.

| Os Estagiários | Google – O Filme, sem graça

Posted in Cinema, Comédia, Críticas de 2013 with tags , , , , , , , , , , , , , , on 31 de agosto de 2013 by Lucas Nascimento

1.5

TheInternship
Vince Vaughn e Owen Wilson vão trabalhar no Google…

Sempre faço questão de frisar, antes de comentar um filme do gênero, que a comédia é muito relativa. Você pode não rir das mesmas piadas que eu e vice-versa, mas eu acho realmente difícil que tenha alguma coisa verdadeiramente engraçada neste Os Estagiários. Mesmo que tente repetir a química entre Owen Wilson e Vince Vaughn (que deu certo no ótimo Penetras Bons de Bico), o filme de Shawn Levy soa mais como um corporate movie do Google e, pior ainda, sem graça alguma.

A trama é assinada por Jared Stern e pelo próprio Vaughn (e tendo em vista que ele também trabalhou no roteiro de Encontro de Casais, seria melhor que o ator ficasse longe da função), e traz os amigos Nick (Owen Wilson) e Billy (Vaughn) arriscando-se em um programa de estágios do Google, após ambos terem perdido sua firma de vendas de relógios. Lá, bem, a dupla enfrenta diversas equipes a fim de conseguir um emprego definitivo na empresa.

Ao ouvir da premissa, eu realmente não sabia o que esperar. Não parecia que havia muito o que falar ou explorar comicamente durante 120 minutos (o que é uma duração muito longa para um filme do gênero, que é sentida aqui), então Os Estagiários aposta basicamente no mesmo tipo de piada: as diferenças de idade entre os personagens de Wilson e Vaughn e a equipe jovinal com quem são forçados a trabalhar. De referências a filmes dos anos 80 (e também elementos da cultura pop, como Harry PotterGame of ThronesStar Wars) até Vince Vaughn repetindo “on the line” umas 4 vezes, o filme chega a causar vergonha alheia. O pior é que o roteiro até tenta dizer alguma coisa nas entrelinhas de suas “piadas” acerca do desemprego pós-crise de 2008 e a crescente dependência em cima da internet móvel. Mas se nem fazer rir o filme consegue, o que dizer de comentário social?

Infelizmente, nem o elenco salva. Wilson faz um preguiçoso piloto-automático e Vaughn dispara seu típico diálogo ultrarrápido, mas é mesmo a interação entre os dois que (em um ou dois momentos) faz valer, um pouco, a experiência. Todo o restante dos intérpretes abraça os mais variados arquétipos e ajudam a tornar cada piada mais previsível ou simplesmente imbecil: o que dizer do antagonista vivido por Max “sotaque britânico” Minghella? Um personagem que existe pelo único propósito de nos fazer odiá-lo, e de uma maneira forçada.

Irritante, longo demais e provocador de tédio, Os Estagiários é uma comédia previsível e completamente apoiada em todos os clichês conhecidos pelo Homem. Mas aposto que o Google deve estar muito feliz com a quantidade de pessoas que irá utilizar a ferramenta para confirmar se a empresa realmente é o local paradisíaco demonstrado no filme.

Obs: O diretor Shawn Levy faz uma rápida ponta em certo momento.

Os cinco melhores de Jim Carrey

Posted in Especiais with tags , , , , , , , , , , on 30 de junho de 2011 by Lucas Nascimento

Aproveitando a estreia de Os Pinguins do Papai (que aliás, não pretendo ver), preparei um breve post sobre 5 performances de Jim Carrei que eu considero indispensáveis.

Ace Ventura

Rendendo duas divertidas aventuras, Jim Carrey foi lançado ao estrelato com o primeiro Ace Ventura, onde ele interpreta um amalucado detetive de animais. Sua visita à África no segundo filme é ainda melhor.

O Pentelho

Pouco conhecido no Brasil (e massacrado pela crítica norte-americana em sua estreia), essa comédia dark apresenta Carrey como um técnico de TV excêntrico e psicótico, que é na minha opinião um dos melhores trabalhos do ator. De língua presa, solta a voz em um karaokê cantando “Somebody to Love” e dá uma surra memorável no então desconhecido Owen Wilson.

O Mentiroso

Neste famoso papel, o personagem de Carrey tinha que ficar um dia inteiro sem contar uma única mentira. A inspirada premissa rende ótimas piadas (“Já tive melhores”), situações constrangedoras e muitas caretas  do ator.

O Show de Truman

Uma das poucas imersões do ator no drama, Carrey interpreta de forma brilhante um sujeito que tem sua vida inteira monitorada por câmeras de televisão, sendo o maior sucesso de audiência do mundo. Claro que o personagem não sabe (em uma bela analogia ao Mito da Caverna de Platão), o que torna a performance do ator ainda melhor, à medida em que ele vai descobrindo a verdade.

Eu, eu mesmo & Irene

Em sua segunda parceria com os Irmãos Farelly (ele trabalhou com a dupla no divertido Debi & Lóide), Carrey faz um sujeito que sofre de dupla personalidade. Uma hora ele é o calmo Charlie, mas quando irrita-se, ele encarna o mau-caráter Hank e diverte. A cena de sua transformação é antológica.

Menção Honrosa:

Em As Loucuras de Dick & Jane, o personagem de Carrey comete um gafe hilário em um programa de TV, enquanto falava sobre as “estatitísticas” de sua empresa. Confira:

E aí? Quais os seus papéis preferidos do comediante? Comentem.

| Meia-Noite em Paris | História da Arte por Woody Allen

Posted in Comédia, Críticas de 2011, Indicados ao Oscar, Romance with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , on 27 de junho de 2011 by Lucas Nascimento


Fascinantes Anos 20: Owen Wilson acerta como Gil, apaixonado por Paris

O passado sempre parece mais interessante, enquanto o presente é – na visão de alguns – monótono e deprimente. Essa é uma questão muito bem abordada pelo cineasta e roteirista Woody Allen em seu novo filme, Meia Noite em Paris, que não é só um interessante estudo sobre a nostalgia do ser humano, como também um belíssimo atestado à Arte da Cidade da Luz.

Na trama, Gil é um frustrado roteirista de Hollywood que vai para Paris com sua noiva Inez. Apaixonado pela cidade da década de 20, ele experiencia uma misteriosa jornada pelo passado, onde encontra diversos artistas da época.

Confesso a vocês que não sou familiarizado com o cinema de Woody Allen (assisti apenas a Match Point e Noivo Neurótico, Noiva Nervosa), mas realmente gostei de Meia Noite em Paris. Com uma excelente assinatura também no roteiro (alguns dos melhores diálogos do ano estão aqui), o cineasta trata Paris com imenso carinho e paixão, apresentando belas paisagens na sequência de abertura, em uma bem-vinda forma de apresentar o cenário ao espectador e fazê-lo apaixonar-se pela cidade, da mesma forma como o protagonista Gil.

Vivido por Owen Wilson com um carisma fresco e teor cômico apropriado, Gil acredita que seria mais feliz na Paris dos anos 20, onde escritores e artistas andavam pelas ruas, cafés e festas. De casamento marcado com a irritante Inez (Rachel McAdams, agradável como de costume), a situação se complica quando ela desvia muita atenção para o historiador Paul (Michael Sheen, o impagável “homem de chuveiros”), enquanto ele sente-se inseguro quanto a qualidade do romance que escreve. A partir daí o protagonista embarca em uma surreal viagem ao passado, que além de divertida é um verdadeiro passeio cultural.

É genial como Allen retrata a época. Optando por uma fotografia mais nostálgica e brilhante, acerta na medida em que somos maravilhados com participações antológicas de celebridades da época, como o escritor Ernest Hemingway (Corey Stoll, ótimo), Gertrude Stein (Kathy Bates, na medida certa) e do excêntrico pintor surrealista Salvador Dalí, que ganha uma versão divertidíssima do excelente Adrien Brody, que só pelo diálogo dos rinocerontes merecia uma indicação ao Oscar. E, felizmente, o cineasta jamais preocupa-se em explicar a jornada surreal de Gil, podendo ser resultado de um devaneio do protagonista ou um elemento fantástico. É isso que torna a experiência onírica do personagem tão única.

Mais do que isso, é interessante a mensagem que o diretor consegue transmitir quanto ao desejo de Gil de viver no passado. Maravilhado com a surreal possibilidade de conhecer seus ídolos, ele descobre por meio de uma amante de Picasso chamada Adriana (Marion Cotillard, eficáz e belíssima) que seus habitantes não são tão satisfeitos em relação à época quanto ele. Allen sugere subjetivamente que o passado é sempre mais interessante porque não o vivemos, ao passo que o presente é simplesmente tedioso – levando a uma brilhante reviravolta envolvendo Adriana -, mas que talvez ele seja visto com outros olhos futuramente, sendo atraente para um indivíduo em um incessante efeito dominó…

Divertidíssimo e com roteiro fabuloso, Meia Noite em Paris é um belíssimo atestado à Cidade da Luz e seus artistas, também apresentando um elenco equilibrado e uma bela mensagem sobre a valorização do presente e o poder que o tempo possuí sobre a arte. Algo que certamente Woody Allen compreende bem…