Ao longo de sua brilhante carreira, Steven Spielberg nos revelou que seu corpo e mente são habitado por duas entidades diferentes: o Spilba Divertido, que nos rendeu aventuras incomparáveis como Tubarão, Indiana Jones e Jurassic Park, e o Spilba Sério, responsável por Amistad, A Lista de Schindler, Munique e Lincoln. Em ambas as situações, temos uma maestria técnica indiscutível, já que o diretor é dono de um estilo único e que se manifesta independente do gênero. E mesmo que eu seja muito mais fã do Spilba da diversão, Ponte dos Espiões revela-se um dos mais afiados “filmes de gente grande” do diretor.
A trama é inspirada em eventos reais, nos transportando para o ano de 1957, no qual os EUA e a URSS estavam em plena tensão nuclear em decorrência de sua Guerra Fria. Entra o advogado de seguros James B. Donovan (Tom Hanks), que é escolhido pelo governo para auxiliar uma delicada troca de prisioneiros entre as nações inimigas: o espião russo Rudolf Abel (Mark Rylance) e o piloto americano Francis Gary Powers (Austin Stowell).
Isso é Spielberg clássico. O típico homem de família do bem que é jogado de sua rotina confortável para uma grande aventura que eventualmente o trará de volta para casa no final, para grande admiração de sua esposa e filhos. A diferença é que o cenário aqui é muito mais tenso e é retratado com uma seriedade maior do que aquele visto em, por exemplo, Contatos Imediatos do Terceiro Grau (não que Spielberg não leve a ficção científica a sério), dado o contexto político da trama. Logo em seus minutos iniciais, o diretor arrebenta com uma longa e muda sequência na qual somos colocados no meio de uma perseguição, mas sem saber exatamente quem persegue quem. Ajuda também a ausência da música que, pela primeira vez desde A Cor Púrpura, não traz a assinatura do mestre John Williams, deixando Thomas Newman com a responsabilidade, algo que o compositor faz muito bem.
E talvez fiquem surpresos, mas o roteiro é assinado por ninguém menos do que os irmãos Joel e Ethan Coen, que devem ter escrito o filme ao mesmo tempo em que cuidavam do texto de Invencível, dadas as ligeiras semelhanças entre ambos os filmes – prisioneiros de guerra, aviões de caça caindo do céu. Mas se no filme de Angelina Jolie não havia nada que lembrasse o estilo dos irmãos, aqui temos muitas sutilezas e tiradas que definitivamente vieram de suas mentes, como na sarcástica introdução de Donovan, cheia de verbarrogia em torno das frases “My guy, your guy”, ou o momento em que um personagem tem diversos telefones à sua mesa, atendendo o errado quando um deles toca. Mas não só isso, a prosa dos Coen e X é habilidosa ao lidar com pesadas quantidades de informações, jargar político e de Direito, de forma que não as torna incompreensível para o público, mas também não lhes sacrifica inteligência.
Tudo bem que o filme peca por sua longa duração, e por inevitáveis quebras de ritmo para servir de transição entre os acontecimentos principais, além de trazer a dipensável dramaticidade exagerada do Spilba Sério: mesmo que esteja na procura de um clima tenso para a tensão nuclear, mostrar crianças chorando na sala de aula enquanto assistem a imagens da bomba de Hiroshima me pareceu apelativo demais. E sendo um filme americano sobre a Guerra Fria, os EUA inevitavelmente assumirão o papel de mocinhos, mas o filme é eficiente na hora de dosar o patriotismo, não soando ofensivo ou propagandista como os desfiles militares de Michael Bay, afinal, isso fica evidente quando Donovan afirma para um representante russo que estes têm a chance de terem “um debate diplomático e neutro que suas nações são incapazes de realizar”, assumindo a posição de que o indivíduo aqui é mais importante – ou deveria dizer, mas sábio – do que a nação inteira.
Sendo uma produção de Spielberg, é tecnicamente impecável. Seu inseparável diretor de fotografia Janusz Kaminski retorna para trazer sua forte luz, chegando a literalmente cegar o espectador em alguns momentos (especialmente a cela de Abel, onde Donovan é praticamente uma figura divina), mas no geral sendo muito eficaz ao criar uma atmosfera sombria e perigosa. A cena em que Donovan é seguido por um estranho na chuva é excelente, e a presença de Hanks só ajuda que o breve momento nos remeta diretamente a Estrada da Perdição. O design de produção de Adam Stockhausen também acerta na reconstrução de época, especialmente nas cenas ambientadas na Alemanha Oriental, salientando as péssimas condições da pós-Segunda Guerra na região, e a câmera de Spielberg valoriza todos esses ambientes com planos abertos detalhadíssimos – vale apontar ser seu primeiro trabalho com lentes anamórficas desde Hook – A Volta do Capitão Gancho.
Navegando com perfeição por um tema delicado, Ponte dos Espiões surpreende por mostrar-se um trabalho de Steven Spielberg que consegue muito bem funcionar como um thriller de espionagem inteligente, sem deixar de lado a abordagem séria que o diretor vem buscando nos últimos anos.
Finalmente, o primeiro trailer completo de Star Wars: O Despertar da Força finalmente chegou.
Confira:
O novo filme se passa 30 anos após os eventos de O Retorno de Jedi. O elenco original formado por Harrison Ford (Han Solo), Mark Hamill (Luke Skywalker) e Carrie Fisher (Leia Organa) retorna, além de Peter Mayhew (Chewbacca), Anthony Daniels (C-3PO) e Kenny Baker (R2-D2). O sangue novo inclui John Boyega (Finn), Daisy Ridley (Rey), Oscar Isaac (Poe Dameron), Adam Driver (Kylo Ren), Lupita Nyong’o (Maz Kanata), Gwendoline Christie (Capitã Phasma), Domhnall Gleeson (General Hux), Andy Serkis (Supremo Comandante Snoke) e o veterano Max Von Sydow (Quem será?).
J.J. Abrams dirige a partir de roteiro dele mesmo, Lawrence Kasdan e ideias de Michael Arndt, sem influência de George Lucas. John Williams retorna para a trilha sonora.
Quando eu era criança, Jurassic Park e seus dinossauros foram parte essencial de meu crescimento como cinéfilo. Lembro até hoje da empolgação em ver o T-Rex pela primeira vez ou minha imensa decepção quando fora barrado no cinema ao tentar ver Jurassic Park 3, em meus longínquos 5 anos de idade. Jurassic World: O Mundo dos Dinossauros veio abruptamente e eu mal podia acreditar que realmente veríamos um retorno à Ilha Nublar e seus habitantes pré-históricos. A verdade? Assim como os personagens de Lost, não precisávamos ter voltado.
A trama se passa 22 anos após o primeiro filme, ignorando (ou não fazendo menção alguma) aos eventos de O Mundo Perdido e do segundo filme. Aqui, o sonho de John Hammond é realizado e o parque temático com dinossauros criados geneticamente está completamente funcional e atraindo milhares de visitantes. Buscando novas formas de garantir patrocínio e impressionar a clientela, o grupo cria o primeiro dinossauro híbrido: o Idominus Rex. Como não deve ser nenhuma surpresa, o caos reina quando a criatura revela-se mais inteligente do que o esperado.
Ainda que com algumas mudanças significantes, o roteiro assinado por Rick Jaffa, Amanda Silver (dupla responsável pelo ótimo reboot de Planeta dos Macacos), Derek Connolly e o diretor Colin Trevorrow – repararam em quantas pessoas diferentes aqui? Então – é uma repetição de toda a fórmula do primeiro filme. Desde o maravilhamento inicial, passando pelas crianças em perigo até o status icônico garantido ao T-Rex, não é difícil encontrar referências gritantes, perdidas em meio às diversas subtramas que o roteiro tenta comportar, resultando em uma misturânea que acaba desencontrada e sem um foco específico – militarismo, natureza vs homem, guerra dos sexos (brega, brega), aproximamento entre irmãos… Uma enxurrada de elementos possíveis de se sentir na arrastada projeção de 124 minutos.
E Colin Trevorrow (do eficiente indie Sem Segurança Nenhuma) passa longe de ser um Steven Spielberg. As sequências de tensão pecam pela repetição; pelo menos três vezes temos uma situação em que algum personagem fica imóvel e escondido enquanto algum dinossauro o procura, e a ação é pouco imaginativa (o elemento da girosfera é uma exceção) e danificada por um excesso de CGI notável. Por incrível que pareça, a combinação de animatronics de Stan Winston com efeitos digitais no filme de 1993 surge muito mais verossímel do que as criaturas vistas em Jurassic World. E outra: não sei qual dos 5 roteiristas achou que domesticar e “fofotizar” velociraptors era uma boa ideia, muito menos transformá-los nos bichinhos de estimação de Chris Pratt, além de uma inesperada reviravolta no finalzinho que remete bastante à proposta do último Godzilla.
De dinossauros novos, o aquático Mosassauro impressiona pelo tamanho e sua relevância divertida para o clímax, enquanto o mutante Indominus Rex parece mais uma versão genérica do T-Rex (até o Espinossauro do terceiro filme tinha mais “carisma”), ainda que seu modus operandi seja interessante. Já o lado humano fica preso à estereótipos forçados, que incluem o caçador machão/afetivo de Chris Pratt (que o ator consegue tornar interessante, graças à boa performance) a executiva fria e altamente sexualizada de Bryce Dallas Howard e o militar inescrupuloso de Vincent D’Onofrio.
Jurassic World: O Mundo dos Dinossaurosé uma triste decepção que se perde num roteiro ruim e na ausência do encantamento que marcou o original de Steven Spielberg, destacando-se como o pior filme da série.
Digo, como reagir quando um dos próprios personagens quebra a quarta parede em uma piadinha ao dizer como “o primeiro parque era irado de verdade” e que “não precisava de híbridos genéticos”?
Olha, notícias sobre contratações e substituições de compositores em produções cinematográficas não são fatos gritantes, mas a notícia de hoje merece atenção. Bridge of Spies, novo filme de Steven Spielberg, não terá trilha sonora de John Williams, mas sim de Thomas Newman (indicado 12 vezes ao Oscar).
Isso quebra uma sequência de 27 filmes (de Louca Escapada a Lincoln) e 41 anos, praticamente toda a carreira de Spielberg (só A Cor Púrpura não teve a colaboração do compositor, substituído por Quincy Jones). Williams teria se afastado por problemas de saúde, mas já confirma participação na próxima produção do diretor, a adaptação de The BFG.
Vai ser interessante ver como Spielberg se adaptará a outro compositor. Pessoalmente, acho Newman uma ótima escolha.
Darth Vader faz a revelação mais marcante de toda a saga
Quando algum diretor fala sobre fazer continuações, sempre cita aquelas que de fato atingiram o nível do original, ou até mesmo um resultado superior. A resposta pode variar, mas pode apostar que O Poderoso Chefão: Parte II e O Império Contra-Ataca estarão lá.
A trama começa alguns anos após a Batalha de Yavin 4, com Luke (Mark Hamill), Leia (Carrie Fisher) e Han (Harrison Ford) refugiados com a Aliança rebelde no planeta de gelo Hoth (ironia eterna desse nome). Cada vez mais interessado no jovem Jedi, Darth Vader o procura por toda a galáxia, enviando sondas e caçadores de recompensa para encontrar o grupo. A jornada levará Luke ao encontro do Mestre Jedi Yoda (Frank Oz), enquanto o restante do grupo é atraído para uma letal armadilha do Império.
Se a grande maioria das continuações hoje em dia (lembrem-se, este é o segundo filme da saga a ser lançado) adota a política do “maior e mais sombrio”, é graças a O Império Contra-Ataca. É bem menos otimista do que o anterior, e o roteiro de Leigh Brackett e Lawrence Kasdan (George Lucas é responsável apenas pelo argumento principal) se arrisca ao colocar os personagens em situações desafiadoras e que muitas vezes leva a melhor sobre estes. Claro que o humor jamais morre, afinal a presença de C-3PO (Anthony Daniels) e R2-D2 (Kenny Backer) sempre rende momentos divertidos, assim como a relação de amor e ódio que vai se construindo entre Han e Leia.
Mas é realmente Darth Vader quem ganha mais destaque aqui. Outrora um vilão genérico no anterior, aqui o lorde Sith ganha mais profundidade e importância, afetando até mesmo o trabalho de dublagem de James Earl Jones; capaz de criar mais nuances aqui, graças à bombástica revelação a respeito de sua relação com Luke. A entrada de Irvin Kershner na direção também é outro ponto valioso, já que revela-se um condutor mais eficiente do que Lucas, além de arrancar melhores atuações do carismático elenco. Visualmente, também é responsável por sequências empolgantes como a batalha de Hoth, a perseguição pelo campo de asteroides e o antológico duelo de sabres entre Luke e Vader – belíssimamente fotogrado por Peter Suschitzky.
Star Wars: Episódio V – O Império Contra-Ataca é certamente o melhor filme da saga, e também uma das continuações mais eficazes e surpreendentes já apresentadas em Hollywood. É o tipo de filme que quase reinventa a história, elevando-a à níveis difícieis de serem superados.
Felizmente, a conclusão da saga não nos deixaria na mão.
A trinca original: Luke Skywalker, Leia Organa e Han Solo
Eu devia ter uns 6 ou 7 anos quando perguntei a meu tio sobre filmes legais pra se assistir. Lembro que a resposta trouxe Planeta dos Macacos e Star Wars, me apresentado no nostálgico título nacional Guerra nas Estrelas. O clássico com Charlton Heston eu deixaria para assistir alguns anos depois, mas tive a sorte de pegar uma maratona da saga de George Lucas no SBT, que preparava um esquenta para o lançamento de Ataque dos Clones, em 2002. Foi meu primeiro contato com Star Wars: Episódio IV – Uma Nova Esperança, filme que mudou a minha vida pra sempre.
Acho válido explicar porque o primeiro filme lançado é o quarto em cronologia. Em 1977, George Lucas lançou o filme apenas como Star Wars (Guerra nas Estrelas em terras tupiniquins), tendo a ideia de contar a história anterior a esta alguns anos depois, seguindo o lançamento de O Retorno de Jedi, em 1983. Estamos em 1997 e a notória Edição Especial é lançada, que – além das alterações digitais criticadas até hoje – trouxe a classificação de Episódios IV, V e VI para a trilogia, preparando o terreno para a estreia do Episódio I, que viria dois anos depois. Ao contrário do que algumas lendas por aí afirmam, Lucas não tinha a história dos Episódios I, II e III quando iniciou a saga com Uma Nova Esperanca.
O que nos leva, enfim, à trama do filme. Começa aproximadamente 20 anos após os eventos de A Vingança dos Sith, com o Império Galáctico perseguindo um grupo da Aliança Rebelde que tenta fugir com planos secretos da Estrela da Morte, estação bélica com capacidade para destruir um planeta. Os dróides R2-D2 (Kenny Baker)e C-3PO (Anthony Daniels) fogem com os planos para o planeta de Tatooine, onde são adquiridos pelo fazendeiro Luke Skywalker (Mark Hamill), que logo se aliará ao Mestre Jedi Obi-Wan Kenobi (Alec Guiness) para devolver os dróides a seu dono.
É uma clássica história de arquétipos. Mocinhos idealizados, vilões maniqueístas e premissas que envolvem o resgate de princesas, como nos contos de fadas. O que faz a diferença aqui, é a mitologia fantástica que o roteiro de Lucas apresenta, um universo habitado por alienígenas, caçadores de recompensas e piratas espaciais. O Han Solo de Harrison Ford é um anti-herói divertido e que impressiona por sua mudança de atitude no último ato, enquanto a Princesa Leia de Carrie Fisher é uma personagem forte e nada indefesa, invertendo os papéis ao salvar os heróis enviados ali justamente para salvá-la.
A perseguição nas trincheiras
Com a ajuda de efeitos visuais dominados por miniaturas espetaculares, truques de iluminação e um elaborado design sonoro, Lucas cria cenas de ação que ficariam na História. A perseguição de caças espaciais nas trincheiras da Estrela da Morte é empolgante como poucas sequências da saga, sendo também mais um atestado do poder sobrenatural de John Williams para compor temas icônicos e belíssimos, que temperam bem o tom de aventura nostálgica e despretensiosa adotado pelo longa.
Star Wars: Episódio IV – Uma Nova Esperança talvez seja o filme mais importante da minha vida. É a obra que iniciou minha jornada pelo Cinema, e tudo o que assisti, aprendi e experienciei depois, teve início quando conheci o universo de George Lucas.
No próximo filme, veríamos o melhor episódio da saga, e aquela que é considerada uma das melhores continuações da História do Cinema.
Se A Ameaça Fantasma foi uma decepção para os fãs por não manter o espírito da trilogia original, Ataque dos Clones certamente satisfaz nesse quesito, tendo tido uma recepção superior ao filme de 1999 – ainda que não seja amado pelos saudosistas. Já eu, adoro.
A trama começa uma década após os eventos do anterior, com a República cada vez mais em crise graças aos ataques da Federação do Comércio e o movimento separatista. Nesse cenário, a senadora Amidala (Natalie Portman) é posta na mira de um misterioso assassino, o que leva acarreta na chegada dos Jedi Obi Wan Kenobi (Ewan McGregor) e Anakin Skywalker (Hayden Christensen) para protegê-la e encontrar o vilão.
Eu tenho um afeto especial por Ataque dos Clones. Foi o primeiro filme da saga que assisti no cinema – uma das experiências cinematográficas mais marcantes da minha infância – e também o primeiro que condenou à “maldição” da expectativa voraz. E mesmo agora, 12 anos depois, acho que George Lucas evoluiu muito de A Ameaça Fantasma, seja como roteirista (aqui, com o apoio de Jonathan Hales) ou como diretor, aqui como pioneiro na distribuição digital de longas-metragem (recomendação: o documentário Lado a Lado, de 2012).
Claro, o filme não passa enxuto de problemas. O romance central entre Anakin e Amidala pode tornar-se tedioso, ainda mais quando a montagem de Ben Burtt o intercala com a missão de Obi-Wan, que é bem mais interessante. Não ajuda também o fato de Hayden Christensen ser um dos mais inexpressivos atores de sua geração, mesmo que sua química com Natalie Portman pontualmente funcione e aqui e ali ele apresente pequenas explosões de raiva que antecipam seu destino sombrio. O que faz o romance convencer, de fato, é a belíssima composição “Across the Stars” de John Williams, um dos pontos altos de sua contribuição para a série.
Como épico espacial, Ataque dos Clones é um digno exemplar. Seja na perseguição cosmopolita envolvendo a misteriosa assassina Zam Wesell, o duelo entre Obi-Wan e Jango Fett (meu preferido da saga) ou a gigantesca batalha final que introduz as Guerras Clônicas. Os efeifos visuais impressionam como sempre, e até a trama política fica mais instigante com a crescente participação de Palpatine (Ian McDiarmid), dando até mesmo uma função decisiva para o abobalhado Jar Jar Binks.
Star Wars: Episódio II – Ataque dos Clones é um ótimo filme e que traz os ingredientes vitais para um blockbuster bem sucedido. Traz seus deméritos típicos de George Lucas, mas todos eles seriam apagados quando a trilogia dos prequel mostrasse a que veio, 3 anos depois.
Duel of the fates: Os Jedi enfrentam a ameaça de Darth Maul
Com a repetina decisão da rede Cinemark em exibir todos os filmes da hexalogia de Star Wars, aproveito a oportunidade não apenas para ver alguns dos filmes na tela grande, mas também escrever sobre eles. Que forma melhor de aquecer pro Episódio VII?
Adotando a ordem cronológica, começo hoje com aquele que foi a grande decepção da saga, mas que ainda assim permanece uma obra competente: Star Wars: Episódio I – A Ameaca Fantasma.
A trama é ambientada quase 40 anos antes dos eventos da trilogia original, tendo início quando os cavaleiros Jedi Qui-Gon Jin (Liam Neeson) e Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) são enviados para negociar termos contra a maléfica Federação do Comércio, que planeja um ataque ao planeta Naboo e à Rainha Amidala (Natalie Portman). Os eventos levam a dupla a diversos planetas enquanto tentam proteger a rainha, ao mesmo tempo em que uma ameaça invisível vai surgindo das trevas.
As pessoas adoram odiar A Ameaça Fantasma, e realmente não podemos culpá-las por isso. Maravilhado com os feitos que a computação gráfica era capaz de alcançar no final dos anos 90, George Lucas aposta em diversos cenários e criaturas digitais; estas últimas prejudicadas por aquela que é a pior invenção do diretor: o gungan Jar Jar Binks, personagem infantil completamente dispensável que serve como o mais retardado alívio cômico dos últimos tempos. Prejudica também a insistência de Lucas em temas políticos fortes, que diversas vezes fazem o longa se perder em sua proposta de aventura espacial, que ainda torna-se entendiante ao apostar na péssima atuação do estreante Jake Lloyd, o jovem Anakin Skywalker, que torna-se peça essencial da narrativa.
Aliás, a verdade é que Lucas não é dos melhores diretores de elenco pela indústria. Mesmo que tenha lá Natalie Portman, Ewan McGregor e Samuel L. Jackson em bons papéis, nenhum deles realmente se destaca, praticamente no piloto automático. O mérito fica mesmo com Liam Neeson, personificando um dos personagens mais admiráveis de toda a saga, ainda que seja um mero arquétipo de “sábio mestre”. Ah, já falei do Jake Lloyd…
Mas seria injusto odiar totalmente o filme. Não só uma produção admirável com figurinos e maquiagens requintadas, A Ameaça Fantasma consegue ser épico quando o deseja. Sequências como a corrida de pods em Tatooine e o já exemplar duelo de sabres entre Obi-Wan, Qui-Gon e o sombrio Darth Maul (Ray Park, sempre maquiado) comprovam o cuidado da equipe na manipulação de efeitos visuais, o trabalho magistral de Ben Burtt no desenho de som e a ótima direção de Lucas para cenas do tipo. E, claro, a trilha sonora operática do mestre John Williams.
Revendo depois de muito tempo, percebo que Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma certamente foi prejudicado pela expectativa de sua época de lançamento, mas o resultado ainda é longe da grandiosidade.
Felizmente, o próximo episódio se aproximaria bem mais desse status.
E chegamos ao volume 3 do especial Oscar 2013. Aqui, analisaremos as categorias de som e as musicais. Vamos nessa:
Uma explosão não é uma explosão se ela não tiver um som ensurdecedor, certo? Manipular o som criado ou capturado é uma tarefa complicada, mas o resultado pode ser impactante. Os indicados são:
Deixando a performance de Robert Redford e a trilha sonora de Alex Ebert (que venceu o Globo de Ouro), a Academia deixou uma indicação de “consolo” para Até o Fim na categoria de edição de som. Ainda não assisti ao filme de J.C. Chandor (a estreia está prevista para 7 de Março, apenas), mas de longe já da pra perceber que a produção aposta em sequências de tempestades e ondas furiosas – o que sempre funciona bem em tela, especialmente quando a equipe sonora sabe o que faz (e Richard Hymns é um mestre).
Mesmo que seja mais um thriller em natureza, Capitão Phillips oferece algumas cenas de ação impressionantes – e o trabalho de som nestas é impecável. O grande destaque certamente fica com as duas tentativas de invasão dos Somali ao Maersk Alabama, sendo que a segunda contou com diversas pirotecnias (jatos d’água, sinalizadores e metralhadoras) em alto mar.
Motion Picture Sound Editors – Edição de Diálogos e ADR
Filme que se tornou um queridinho por alguns críticos, O Grande Herói também não chegou às telas brasileiras ainda. Mas assim como minha análise subjetiva a Até o Fim, o filme estrelado por Mark Whalberg certamente faz um bom trabalho com suas sequências de ação, que envolvem tiroteios, explosões e quedas de helicópteros.
O som não se propaga no vácuo, mas a equipe responsável pela sonoplastia de Gravidade encontrou formas inteligentes de não transformar o filme de Alfonso Cuarón em uma produção muda. Os efeitos sonoros são reduzidos ao mínimo e, mais importante, geralmente são exibidos de acordo com a percepção dos personagens principais: toques abafados, batidas opacas, etc, todos sob a perspectiva de alguém com capacete. Não é só cientificamente apurado, mas também é muito assustador observar os desastres espaciais sem efeitos sonoros.
BAFTA
Critics Choice Awards
Motion Picture Sound Editors – Melhor Foley e Edição de Efeitos Sonoros
Como havia comentado no volume anterior, na sessão de efeitos visuais, um dragão fez toda a diferença neste segundo Hobbit. Não só pelas poderosas cuspidas de seu lança-chamas ou seus passos largos, mas especialmente pelo excelente trabalho de Brent Burge ao modificar sutilmente a voz de Benedict Cumberbatch (já grave por natureza) a fim de tornar o dragão Smaug ainda mais ameaçador. Só a criatura nórdica já é o suficiente para a indicação, mas A Desolação de Smaug se beneficia ainda de diversas outras cenas de ação, que trazem belos efeitos sonoros de flechadas, barris, ursos e aranhas gigantes. Pena ter que bater de frente com Gravidade…
APOSTA:Gravidade
QUEM PODE VIRAR O JOGO: O Hobbit, talvez
MEU VOTO: Gravidade
FICOU DE FORA:Círculo de Fogo
Quando vemos pela primeira vez os robôs colossais partindo para sair na mão com criaturas igualmente colossais em Círculo de Fogo, o espetáculo visual não é o suficiente: o design de som da equipe de Guillermo Del Toro faz jus aos confrontos violentos e monumentais, seja para retratar os elementos tecnológicos dos Jaegers, os rugidos fantásticos dos kaijus ou o rastro de destruição deixados por seus embates, o filme é daqueles que oferecem uma imersão sonora total – especialmente no IMAX.
Ok, o filme está pronto, editado, os efeitos visuais estão finalizados e os sons no lugar. Agora vem o grande desafio da pós-produção: juntar todos os efeitos sonoros com a trilha sonora, dando espaço a cada um deles de forma apropriada. Os indicados são:
A mixagem de Capitão Phillips colabora perfeitamente tanto com a direção quanto com a montagem, ambas intensas. No caso das camadas sonoras, o destaque fica para os diversos personagens que falam e gritam simultaneamente – especialmente no primeiro contato que o personagem de Hanks tem com os piratas, que surgem gritando em outro idioma ao passo em que a tripulação tenta acalmá-los. O exemplo comprova a busca do filme de Paul Greengrass pelo realismo quase documental, praticamente jogando o espectador dentro da ação.
Tendo em vista que Gravidade retrata o espaço sem som, é relativamente mais fácil para a equipe de mixadores combinar suas faixas sonoras. Aliás, em diversos momentos a trilha sonora de Steven Prince se encaixa tão bem que quase atua como um efeito sonoro diegético (mérito de sua natureza abstrata, discutiremos isso em instantes) nas cenas ambientadas no vácuo espacial, ganhando ainda mais impacto quando estas retratam os intensos acidentes com destroços – com nada, apenas a trilha e as vozes no rádio de George Clooney e Sandra Bullock como guia. É uma fórmula que se mantem ao decorrer da produção; e funciona. Maravilhosamente bem.
Como já havia explicitado na sessão de Edição de Som, A Desolação de Smaug oferece muito mais cenas de ação do que o antecessor, e estas são mais elaboradas e apostam também em eventos paralelos. Um exemplo de maravilha sonora é a sequência da fuga dos anões em barris: não só temos camadas de som com a água, madeira e os gritos do personagens, mas logo depois entram em cena os orcs com seus bastões e os elfos com seus arcos – sem falar na trilha sonora de Howard Shore, temperando a sequência apropriadamente.
Sempre espere um filme musical (ou com elementos do tipo) marcar presença na categoria de Mixagem de Som. O esquecido Inside Llewyn Davis – Balada de um Homem Comum se concentra na jornada de Oscar Isaac para se tornar um astro da música folk, premissa que rende diversas sequências baseadas em canções: a que traz “Please, Mr. Kennedy” é particularmente mais complicada em termos de mixagem, já que envolve três cantores simultâneos que emitem diferentes versos da letra e “efeitos sonoros” com suas bocas.
APOSTA: Gravidade
QUEM PODE VIRAR O JOGO: Inside Llewyn Davis
MEU VOTO: Gravidade
FICOU DE FORA: Rush: No Limite da Emoção
Tudo bem, eu meio que já esperava a ausência de Rush: No Limite da Emoção nas categorias principais, mas é um absurdo que o filme de Ron Howard não tenha conseguido nem uma indicação por seu eficaz trabalho de som. A área da mixagem é especialmente atraenta, graças ao belo uso da trilha sonora de Hans Zimmer durante as cenas que envolvem corridas em alta velocidades e narrações de comentaristas esportivos. Diversas faixas de áudio que combinam-se perfeitamente bem.
Um longa-metragem não funciona da mesma maneira sem música. A trilha sonora ajuda a criar o tom, manter o ritmo e encher o espectador de emoção, complementando o que está na tela. Os indicados são:
Will Butler representa a banda Arcade Fire ao lado do compositor canadense Owen Pallett para a trilha sonora de Ela. Predominantemente sutil, o trabalho da dupla aposta em acordes eletrônicos (gosto como “Milk and Honey” surge no início como preparação de terreno) e faz do piano seu principal instrumento. Como o filme em si, é uma trilha delicada e sensível, apostando principalmente no romance (“Photograph” e “Song on the Beach” são muito bonitas) e na melancolia que persegue o protagonista (“Owl“). Depois de Trent Reznor, Daft Punk, Chemichal Brothers e agora o Arcade Fire, fica a noção de que bandas andam acertando bastante em trilhas cinematográficas.
Durante diversos momentos da produção, confundi a trilha sonora de Steven Price com efeitos sonoros. Só ouvindo separadamente pude perceber que tais momentos faziam parte de uma criação abstrata e incomum, responsável por definir toda a atmosfera claustrofóbica e aterrorizante do vácuo espacial em Gravidade. A música de Price assume um caráter inteiramente orgânico, assumindo tons eletrônicos distorcidos (Debris), leves notas de piano para momentos mais dramáticos (Aurora Borealis) e quando o emocionante clímax se aproxima, suas composições abraçam tons de superação (Shenzou) e o “epicamente épico” (Gravity). Ótima revelação, vamos ficar de olho em Steven Price.
O homem onipresente na categoria… novamente é indicado e, dessa vez, em uma rara colaboração com alguém que não seja Steven Spielberg. Em sua 49ª indicação (!!), John Williams se aventura novamente no período da Segunda Guerra Mundial com a adaptação do best seller A Menina que Roubava Livros. Não assisti ao filme (e, sinceramente, meu interesse no mesmo é mínimo), mas só o tema e as poucas faixas de Williams que ouvi no Youtube comprovam: é mais um trabalho dramático e melancólico do mestre, cheio de piano e violino para traduzir musicalmente uma história pesada e triste. Que venha logo Star Wars: Episódio VII.
Após fornecer acordes mais sombrios em produções como Argo e A Hora Mais Escura, o francês Alexandre Desplat retorna à trilhas adoráveis e delicadas (como, por exemplo, a de O Discurso do Rei e Moonrise Kingdom) com a dramédia Philomena. É um trabalho energético e belo, sendo interessante observar as percussões que se assemelham a uma valsa (Philomena), as que fornecem um apropriado tom de mistério (Reminiscence), humor (Drives to Roscrea) e um pesado drama (No Thought of Ireland). O melhor trabalho de Desplat em anos.
Surgindo como um concorrente considerável nos primórdios da corrida pelo Oscar, Walt nos Bastidores de Mary Poppins ficou só com uma indicação pela trilha sonora, assinada pelo talentoso Thomas Newman. E diante da ausência do filme em categorias principais, sua estreia no país foi adiada para 7 de Março. Tendo ouvido apenas a trilha isoladamente, nota-se a intenção de Newman em realizar um trabalho energético e que remeta à produções da Disney. Leve de se ouvir e inventiva.
Faixa Preferida: Jollification
APOSTA: Gravidade
QUEM PODE VIRAR O JOGO: Walt nos Bastidores de Mary Poppins
MEU VOTO: Philomena
FICOU DE FORA: Qualquer Coisa do Hans Zimmer
Hans Zimmer teve um dos melhores anos de sua impecável carreira em 2013. Muitos apontavam para a indicação de sua investida dramática em 12 Anos de Escravidão, mas o compositor alemão acabou ficando de fora. Além do belo trabalho rejeitado, Zimmer ainda proveu faixas memoráveis para a trilha sonora movida a guitarra de Rush: No Limite da Emoção e foi responsável por criar um novo tema para o Superman, tendo a sombra de John Williams para superar – algo que fez muitíssimo bem em O Homem de Aço.
Aqui, temos as canções que são criadas especialmente para filmes, seja em longa-metragem, animação ou documentário. Confira:
“Happy” – Meu Malvado Favorito 2 | Pharrell Williams
Ok, muita gente gosta mas eu simplesmente detesto “Happy”, de Pharrell Williams. Tampouco sou fã da franquia Meu Malvado Favorito, e nem assisti ao segundo filme – ouvi a música indicada separadamente. Não me agrada muito a letra, nem o ritmo da canção. Poderíamos ter muita coisa melhor no lugar.
LETRA
It might seem crazy what I’m ‘bout to say
Sunshine she’s here, you can take a break
Mama – hot air balloon that could go to space With the air like I don’t care, baby, by the way Because I’m happy… Come along if you feel like a room without a roof Because I’m happy… Clap along if you feel like happiness is the truth Because I’m happy… Clap along if you know what happiness is to you Because I’m happy… Clap along if you feel like that’s what you want to do Here comes bad news, talkin’ this and that But give me all you’ve got, and don’t hold it back Well, I should probably warn you, I’ll be just fine No offense to you, don’t waste your time, here’s why…
Bring me down… can’t nothing… Bring me down… your love is too high… Bring me down… can’t nothing… Bring me down, I said (let me tell you now) Bring me down… can’t nothing… Bring me down… your love is too high… Bring me down… can’t nothing… Bring me down, I said… Bring me down… can’t nothing… Bring me down… your love is too high… Bring me down… can’t nothing… Bring me down, I said (let me tell you now)
“Let it Go” – Frozen: Uma Aventura Congelante | Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez
Não assisti à animação Frozen: Uma Aventura Congelante, mas seria preciso viver dentro de uma caverna para não ter ao menos ouvido falar da canção “Let it Go”, que na versão original do filme é cantada pela dubladora Idina Menzel. A cena em questão (liberada pela Disney no Youtube) representa um momento importante para a protagonista e, como mero admirador, devo dizer que é uma bela canção – e que a letra composta por Robert Lopez & Kristen Anderson-Lopez é muito bonita. É a favorita, e deve ganhar.
Critics Choice Awards
LETRA
The snow glows white on the mountain tonight, not a footprint to be seen. A kingdom of isolation and it looks like I’m the queen. The wind is howling like this swirling storm inside. Couldn’t keep it in, Heaven knows I tried. Don’t let them in, don’t let them see. Be the good girl you always have to be. Conceal don’t feel, don’t let them know. Well, now they know!
Let it go, let it go. Can’t hold it back anymore. Let it go, let it go. Turn away and slam the door. I don’t care what they’re going to say. Let the storm rage on. The cold never bothered me anyway. It’s funny how some distance, makes everything seem small. And the fears that once controlled me, can’t get to me at all It’s time to see what I can do, to test the limits and break through. No right, no wrong, no rules for me. I’m free!
Let it go, let it go. I am the one with the wind and sky. Let it go, let it go. You’ll never see me cry. Here I stand, and here I’ll stay. Let the storm rage on.
My power flurries through the air into the ground. My soul is spiraling in frozen fractals all around And one thought crystallizes like an icy blast I’m never going back; the past is in the past!
Let it go, let it go. And I’ll rise like the break of dawn. Let it go, let it go That perfect girl is gone Here I stand, in the light of day.
Let the storm rage on! The cold never bothered me anyway
“The Moon Song” – Ela | Karen O & Spike Jonze
Vocalista do finado Yeah Yeah Yeahs, Karen O já surpreendia no cinema por nos presentear com um inesquecível cover de “Immigrant Song” com Trent Reznor para Millennium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres, de David Fincher. Agora, ela se alia novamente com o cineasta (e ex-namorado) Spike Jonze para a sensível e suave “The Moon Song”, tema principal de Ela. É uma bela canção que captura a magia da relação dos protagonistas e surge em dos mais bonitos momentos da trama, pelas vozes de Scarlett Johansson e Joaquin Phoenix.
LETRA
I’m lying on the moon My dear, I’ll be there soon It’s a quiet starry place Time’s we’re swallowed up In space we’re here a million miles away
There’s things I wish I knew There’s no thing I’d keep from you It’s a dark and shiny place But with you my dear I’m safe and we’re a million miles away
We’re lying on the moon It’s a perfect afternoon Your shadow follows me all day Making sure that I’m Okay and we’re a million miles away
“Ordinary Love” – Mandela | U2
A popular banda U2 pode estar muito perto de faturar um Oscar com a canção-tema de Mandela (em inglês, com o subtítulo Long Walk to Freedom), cinebiografia com Idris Elba que foi praticamente esquecida pela Academia. Como o filme agora só chegará no Brasil em um lançamento direto para DVD, não sei em que momento a canção “Ordinary Love” aparece (mas aposto que seja nos créditos finais), mas posso dizer o quão bela e maravilhosa é de se ouvir. E olha que não sou nenhum obcecado com o grupo.
Globo de Ouro
LETRA
The sea wants to kiss the golden shore. The sunlight warms your skin. All the beauty that’s been lost before, wants to find us again. I can’t fight you anymore; it’s you I’m fighting for. The sea throws rocks together but time, leaves us polished stones.
We can’t fall any further if, we can’t feel ordinary love. And we cannot reach any higher, if we can’t deal with ordinary love.
Birds fly high in the summer sky and rest on the breeze. The same wind will take care of you and I, we’ll build our house in the trees. Your heart is on my sleeve, did you put it there with a magic marker. For years I would believe, that the world, couldn’t wash it away
Cause we can’t fall any further if, we can’t feel ordinary love. And we cannot reach any higher, if we can’t deal with ordinary love.
Are we tough enough, for ordinary love?
We can’t fall any further if, we can’t feel ordinary love. And we cannot reach any higher, if we can’t deal with ordinary love.
Are we tough enough, for ordinary love? Are we tough enough, for ordinary love? Are we tough enough, for ordinary love?
APOSTA: Let it Go
QUEM PODE VIRAR O JOGO: Ordinary Love
MEU VOTO: The Moon Song
FICOU DE FORA: “I See Fire” – O Hobbit: A Desolação de Smaug | Ed Sheeran
Um dos grandes atrativos do segundo capítulo da adaptação de O Hobbit, é a canção dos créditos executada pelo inglês Ed Sheeran. Peter Jackson sempre tem um bom gosto ao trazer artistas para compor canções baseadas em seus longas da Terra Média, e “I See Fire” sem dúvida é uma das melhores até agora. Não só traz uma temática completamente apropriada à trama de A Desolação de Smaug (fogo, dragões, pânico!), mas é simplesmente belíssima e o faz com elementos simples: vocal, violão e violino.
LETRA
Oh, misty eye of the mountain below Keep careful watch of my brothers’ souls And should the sky be filled with fire and smoke Keep watching over Durin’s sons
If this is to end in fire Then we shall burn together Watch the flames climb higher into the night Calling out father, oh, stand by and we will Watch the flames burn on and on The mountainside
And if we should die tonight Then we should all die together Raise a glass of wine for the last time Calling out father, oh Prepare as we will Watch the flames burn on and on The mountainside
Desolation comes upon the sky
Now I see fire Inside the mountains I see fire Burning the trees And I see fire Hollowing souls And I see fire Burning the breeze And I hope that you remember me
Oh, should my people fall then Surely I’ll do the same Confined in mountain halls We got too close to the flame Calling out father, oh Hold fast and we will Watch the flames burn on and on The mountainside
Desolation comes upon the sky
Now I see fire Inside the mountains I see fire Burning the trees And I see fire Hollowing souls And I see fire Burning the breeze And I hope that you remember me
And if the night is burning I will cover my eyes For if the dark returns then My brothers will die And as the sky’s falling down It crashed into this lonely town And with that shadow upon the ground I hear my people screaming out
Now I see fire Inside the mountains I see fire Burning the trees And I see fire Hollowing souls And I see fire Burning the breeze
I see fire (oh you know I saw a city burning) (Fire) And I see fire (feel the heat upon my skin) (fire) And I see fire (fire) And I see fire (burn on and on the mountainside)
Menção Honrosa: Qualquer canção original de Inside Llewyn Davis.
Bem, e só nos resta mais um artigo antes da grande cerimônia… Voltem amanhã para o especial de Categorias Principais, com Roteiros, Diretores e, claro, os Filmes indicados.
Quando era criança, Jurassic Park – Parque dos Dinossauros era um de meus filmes preferidos. Ao ter a notícia de que o filme seria relançado nos cinemas no formato 3D, evitei ao máximo assistir ao filme novamente (algo que não fazia há uns 5-6 anos até a estreia nos cinemas, neste ano). Com isso, voltei a ser aquela criança cujo queixo chegava até o chão ao contemplar essa maravilhosa aventura de Steven Spielberg e seus espetaculares dinossauros.
A trama, você bem sabe, envolve a criação de um parque temático com dinossauros reais. Graças à descoberta de um mosquito fossilizado, o milionário John Hammond (Richard Attenborough) torna possível a clonagem de uma amostra de sangue do período jurássico e, consequentemente, a criação genética de dinossauros. Acompanhado de dois paleontólogos (Sam Neill e Laura Dern) e de um cientista cool (Jeff Goldblum), Hammond promove uma visita ao local – que, obviamente, sai do controle.
Lançado originalmente em 1993, Jurassic Park continua impressionante. A mistura de efeitos digitais com animatrônicos (do falecido mestre Stan Winston) é perfeita e, mesmo 20 anos depois e com tecnologias superiores, faz jus ao espetáculo: a antológica primeira aparição do imponente T-Rex permanece uma aula de cinema acerca da criação do suspense (nada mais justo, já que é comandada pelo gênio responsável por Tubarão) e, confesso, por alguns momentos acreditei que aquilo era real – é o poder da magia da Sétima Arte. Ainda sobre execução, é triste olhar Jurassic Park e perceber que Steven Spielberg não faz mais filmes assim: o cineasta agora parece mais preocupado com dramas e biografias e, mesmo que não sejam de qualidade ruim, ficam abaixo do talento do diretor em criar imbatíveis tons de aventura e humor.
John Williams segue a mesma linha. Um dos maiores compositores musicais de todos os tempos, tem aqui um de seus mais icônicos temas (convenhamos, o cara manja quando o assunto é criação de temas icônicos) e faixas que ajudam a maravilhar as espetaculares imagens. E tais imagens ficam absurdamente bem ressaltadas na conversão em 3D do filme, que chega a chocar de tão eficiente – ficando até melhor do que aquela feita no relançamento de Titanic, supervisionada pelo próprio James Cameron.
Certamente um dos melhores filmes da carreira de Steven Spielberg, Jurassic Park – Parque dos Dinossauros é uma obra divertidíssima e que merece ser revisitada nas telonas novamente. Até mesmo seu diretor poderia fazê-lo, e lembrar-se de como seu talento para o gênero pode ser divino.
Lucas Filmes 