| Êxodo: Deuses e Reis | Crítica

Christian Bale é Batman. E Moisés. Deal with it.

Com Noé oferecendo um excelente estudo de personagem em meio a uma trama religiosa que provoca questionamentos, confesso que não esperava muito de Êxodo: Deuses e Reis. Parecia mais espetáculo do que o de Darren Aronofsky, e anda difícil confiar em Ridley Scott ultimamente, mesmo que tenha um afinco especial pelos épicos. Mas olhar, além do espetáculo , o filme consegue surpreender em questões mais profundas.

O roteiro, que traz as assinaturas de Bill Collage, Adam Cooper e Steven Zaillian, se dedica a adaptar boa parte do livro do Êxodo, concentrando-se na vida de Moisés (Christian Bale). Primo adotivo do faraó Ramsés (Joel Edgerton), quando sua origem hebraica é exposta, ele é banido do reino e enviado junto a seu povo. Com ordens nebulosas daquele que ele crê ser Deus, ele desafia o poder de Ramsés e luta para libertar os hebreus de uma escravidão de 400 anos.

Dá até medo de entrar num filme destes, já que a garantia de exaustão é um perigo real. E de fato, em suas exaustas 2h30 de duração, Êxodo ganha e perde ritmo com frequência, e sua enorme quantidade de eventos, fases e passagens dos anos contribuem para isso; posso apenas imaginar como deve ter sido difícil para o montador Billy Rich organizar uma narrativa com tantos acontecimentos. Por outro lado, isso também garante que Êxodo possa se diversificar e garantir soluções elegantes para eventos que teriam sido maiores (e menos interessantes). A relação de Moisés com sua esposa Zipporah (María Valverde), por exemplo, é muitíssimo bem resolvida em duas cenas-chave que trazem o mesmo diálogo, só que colocadas em dois momentos diferentes da narrativa.

Especialista em capturar a grandiosidade que um épico necessita, Scott não deixa a desejar. O design de produção reconstrói (com computação gráfica e cenários reais) a imponência e magnitude dos palácios egípcios, assim como as decadentes habitações hebraicas. Os cenários e locações na Espanha (como as Ilhas Canárias) servem de palco para cenas de ação espetaculares, especialmente – como devem imaginar – o clímax que envolve um certo Mar Vermelho. A evocadora trilha sonora de Alberto Iglesias ajuda bastante.

Sempre intenso e entregue de corpo e alma a seus personagens, Christian Bale está ótimo, e constrói um Moisés forte e também complexo. Aliás, a complexidade e o questionamento é algo que sinceramente não esperava ver com tanta força aqui. Como Êxodo é um livro do Antigo Testamento, Deus aqui é um cruel assassino em massa em que garante pragas terríveis para os egípcios, e Scott é eficiente ao mostrar graficamente o efeito de ataques de crocodilos, pragas de gafanhotos e infecções de pele grotescas. Chega a causar um incômodo no espectador, e o tal êxodo do título nem é tão catártico, ou melhor, maniqueísta quanto poderia ter sido – o povo egípcio era merecedor de algo tão monstruoso? Muitos inocentes certamente foram trucidados, e os próprios hebreus sofriam como consequência (“Está atacando a quem?”, questiona o protagonista). Aliás, a ideia de representar Deus na Terra na forma de uma criança raivosa e vingativa é bem reveladora.

Êxodo: Deuses e Reis é um filme eficiente e que surpreende em sua abordagem, ainda que seja uma experiência maçante e cansativa em alguns momentos. Um épico que faz jus à promessa, e ainda oferece algo a mais.

Obs: O 3D do filme é bem decente.

Obs II: Entendo que é um filme sobre Moisés, mas Sigourney Weaver é imensamente desperdiçada aqui… Quero dizer, é a reunião “Alien” entre ela e Scott!

| Operação Big Hero | Crítica

Hiro e o robô Baymax

Com a compra da Marvel pela Disney, a empresa de Mickey Mouse assumiu controle até das mais distintas obras da editora. No mercado japonês, as histórias do grupo Big Hero 6 são bem populares, mas confesso que nunca tinha ouvido falar desta até o lançamento desta nova divertida animação do estúdio, Operação Big Hero.

Escrita por Jordan Roberts, Daniel Gerson e Robert L. Baird, a trama é ambientada numa sociedade futurista que atende pelo nome de San Fransokyo (união entre a cidade californiana americana e a capital japonesa), apresentando-nos ao jovem Hiro (voz de Ryan Potter no original), menino prodígio que tenta escolher o que fazer com seu imenso potencial. Após a repentina morte de seu irmão em um incêndio, ele descobre seu robô Baymax (voz de Scott Adsit), que o ajudará a encontrar um misterioso mascarado que estaria envolvido na tragédia.

As animações da Walt Disney andam muito bem, ainda mais se compararmos com as da Pixar. Com John Lasseter atuando pesadamente como produtor de alguns projetos do estúdio, tivemos obras do calibre de Detona Ralph e o superpoderoso Frozen: Uma Aventura Congelante. Operação Big Hero continua esse strike bem-sucedido de sucessos, e se a animação anterior virava os contos de princesa de ponta cabeça, esta mergulha no gênero dos super-heróis. Visualmente, é um grande feito ao elaborar designs criativos para seus personagens e locações, especialmente ao observarmos as influências futuristas na elegante junção da arquitetura americana com a japonesa (a ponte Golden Gate, por exemplo, fascinante com telhados típicos da cultura oriental).

Mas se há um fator que faz a diferença aqui é Baymax, o adorável robô inflável. Sua expressão minimalista e quase imutável garante ao personagem uma ingenuidade divertida e tocante, que logo caminha para um bem colocado senso de humor, provocando risadas de forma sutil; como os movimentos delicados e outrora desajeitados de Baymax. Os demais personagens também são muito bem trabalhados e diferentes entre si, especialmente na forma como os animadores ilustram suas distintas habilidades. O vilão mascarado, dentre todos, é o que mais chama a atenção, graças a seu visual amedrontador e sua locomoção através de milhares de nanobots – elemento que rende ótimas cenas de ação.

O que realmente não me agradou em Big Hero foram algumas soluções de roteiro. A identidade e motivações do vilão mascarado (como em Frozen, o filme tenta ocultar o real antagonista da história) surgem meio deslocadas da trama central, trazendo elementos de Contato e Os Vingadores. Sem falar que o filme peca ao se mostrar mais um exemplar da escola Marvel de “Ninguém está realmente morto”, principalmente por garantir uma grande cena emocional para algo… Irrelevante. Sinto que é um artifício barato para trapacear o espectador.

Operação Big Hero é uma animação eficiente e empolgante, capaz de entreter e divertir graças a seus personagens ecléticos. Pode não ter uma história ou apego emocional fortes como em Os Incríveis, já que também é uma aventura de super-heróis, mas vale a visita. E Baymax já merece entrar pra História como um dos robôs mais memoráveis dos últimos tempos.

Obs: Há uma ótima cena após os créditos.

| A Entrevista | Crítica

James Franco descobre um novo lado de Kim Jong-un

Você provavelmente deve ter ouvido muito sobre A Entrevista, nova comédia de Seth Rogen e James Franco, nos últimos dias. O filme foi proibido, ameaçado de terrorismo, supostamente a causa de um cyberataque maciço e agora conseguiu voltar aos cinemas americanos e também disponível num eficaz serviço de video on demand pela internet. Muito barulho por uma com

Elaborada por Rogen e seu amigo Evan Goldenberg e roteiriziada por Dan Sterling, a trama gira em torno do apresentador de TV David Skylark (Franco), cuja audiência cresce graças à seu trabalho fútil de exposição do mundo das celebridades, num típico “TV Fama” ou “TMZ” da vida. Quando seu produtor, Aaron Rapaport (Rogen) descobre que Kim Jong-un (Randall Park) é um fã do programa, ele consegue uma entrevista exclusiva com o líder da Coréia do Norte. Porém, a CIA intervém e pede que a dupla use o evento como oportunidade para assassinar Kim Jong Un.

Da mesma forma como escrevi na minha crítica de Vizinhos, Seth Rogen é o cara com as ideias mais absurdas que entra no escritório do produtor e consegue persuadi-lo de qualquer coisa. Imagino ele entrando no escritório de Amy Pascal ou algum outro executivo da Sony e falando “um filme em que eu o James Franco vamos matar o ditador da Coréia do Norte!”. E aposto que Rogen está com ainda mais notoriedade por lá, dada a controvérsia global de seu A Entrevista. A verdade é que é uma comédia inofensiva que não precisava sofrer tudo o que sofreu, ainda que o roteiro da dupla traga sua dose de “seriedade” ao ridicularizar programas de tablóide e o governo de Kim Jong-un, mesmo que de forma morna.

Aliás, o personagem Kim Jong-un criado aqui é sensacional. Mesmo que Randall Park não seja exatamente parecido ou com um rosto engraçado como o do Un real, ele entrega uma performance divertidíssima como um jovem introvertido fã de Katy Perry que dispara mísseis nucleares para ser levado a sério. É também um manipulador nato, o que o coloca como bom antagonista para os “heróis” de Seth Rogen e James Franco, que repetem a mesma química bem-sucedida de Segurando as Pontas. O primeiro mantém sua áurea séria mas inadvertivelmente cômica, enquanto Franco se entrega completamente ao caricato na pele de Skylark, uma mistureba dos tipos mais escandalosos de apresentadores de TV. Aliás, não deixa de ser curioso como tanto A Entrevista quanto o thriller O Abutre discutam, de certa forma, a função do jornalismo.

E também como Segurando as Pontas, o filme faz um balanço eficiente entre as piadas e o humor. Num momento estamos vendo Franco soltar inúmeras referências ao Senhor dos Anéis (“Eu sou gollum, e você é o meu precioso”) e no outro temos um clímax gigantesco que envolve tanques de guerra, metralhadoras e ogivas nucleares. Goldenberg e Rogen evoluem muito como diretores depois do mediano É o Fim (sim, vocês bem sabem que sou um dos poucos que acho o filme só OK), e até aprendem um humor mais sutil ao fotografar a cena da entrevista do título da mesma forma como no ótimo Frost/Nixon (“Daqui a 10 anos, Ron Howard vai fazer um filme sobre nós!”).

A Entrevista é uma comédia divertidíssima que certamente vai agradar aos fãs do humor de Seth Rogen e companhia. Foi injustamente afetado por uma polêmica exagerada, mas não tira o fato de ser uma obra eficiente. Se Kim Jong-un não gostar, problema dele.

Obs: O filme está disponível em VOD em diversos serviços de streaming, mas a estreia no Brasil ainda não definida.

Obs II: Temos algumas participações especiais muito divertidas.

| O Protetor | Crítica

Denzel Washington é Robert McCall

Às vezes, não é preciso muito para se fazer o ocasional filme de ação do sábado à noite. Muita porcaria é capaz de aparecer por aí (porque acredite, ação ruim existe, e é muito comum), mas vira e mexe algo realmente único pode surgir. Não que Antoine Fuqua tenha ido até a Lua com seu novo O Protetor, mas ele certamente produziu entretenimento genuíno.

A trama é adaptada da série de TV homônima de 1985, mas sai Edward Woodward e entra Denzel Washington para assumir o papel de Robert McCall, um agente secreto altamente treinado que tenta levar uma vida normal em sua aposentadoria. Quando uma organização russa de tráfico sexual coloca em risco a vida da jovem Teri (Chloë Grace Moretz), McCall resolve ir atrás dos responsáveis para servir justiça.

Se parar pra pensar, O Protetor é quase como Taxi Driver. Uma versão marrenta, cartunesca-trash e centrada em ação de Taxi Driver, sim, mas compartilha com a obra-prima de Martin Scorsese um incidente incitante de trama similar, voltado para algo aparentemente aleatório. McCall e Teri são amigos ocasionais, que compartilham uma conversinha aqui e ali, nada poderoso o suficiente para que o protagonista encarasse uma cruzada violenta e arriscada como tal. E isso é muito eficiente aqui, remanescência do herói de ação dos anos 80. Digo, McCall vai pro confronto final de ônibus… Esse é o herói do povo.

Washington surge excelente aqui, enfrentando uma série de inimigos que parecem ter sido engavetados de uma nada sutil propaganda pró-EUA da Guerra Fria. Temos lá os capangas grandes, com bigodes exóticos e cabeleiras nada realistas, e o grande vilão de Marton Csokas (pra mim, o Kevin Spacey russo) que já se apresenta como o mal em pessoa quando vemos seu corpo repleto de tatuagens com demônios, cabras e outros indicadores de “parada maligna”. Os encontros entre os polos opostos, seja num diálogo tenso num restaurante ou já na pancadaria, são interessantíssimos. Antoine Fuqua é um grande diretor, cuja câmera se move bem durante a ação, e também é criativo na composição de seus enquadramentos. Temos uma luta na chuva dentro de uma loja de departamentos., quer mais badass que isso?

Se peca em algo, é ao transformar McCall em uma espécie de super-humano obcecado com os movimentos alheios, na cópia mais descarada do Sherlock Holmes “moderno” possível. O longa também se estende ao tentar garantir que todas as pontas soltas da cruzada de McCall ficassem devidamente amarradas, mesmo que isso o leve a uma viagem relâmpago para Moscou.

O Protetor é um filme de ação despretensioso e divertidíssimo, agarrando-se a estereótipos e uma performance habitualmente agradável de Denzel Washington. Às vezes, não é preciso esquentar demais.

| O Abutre | Crítica

Jake Gyllenhaal é Lou Bloom

O jornalismo e suas complicações morais sempre renderam obras memoráveis no cinema. Rede de Intrigas, de Sydney Pollack, faz um dos estudos mais eficientes acerca do sensacionalismo, o clássico A Montanha dos 7 Abutres, de Billy Wilder, oferece uma representação genial do “circo da imprensa” e a própria série de TV The Newsroom, de Aaron Sorkin, lida muitíssimo bem com o cotidiano de uma emissora jornalística bem idealizada. Do estreante Dan Gilroy, O Abutre certamente entrará nesse pacote, trazendo seus próprios méritos.

A trama nos apresenta a Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), um sujeito persistente e com ética trabalhista duvidosa, à procura de variados empregos em Los Angeles. A busca o leva até um emprego freelancer de câmera de um telejornal, onde sua especialidade é cobrir acidentes de carro, tiroteios e outros eventos que deem audiências.

Não demora para que a premissa do filme remeta não só às impecáveis obras mencionadas acima, mas também a alguns modelos jornalísticos que encontramos em todo o canto do mundo. Datenas e Marcelos Rezendes estão por aí, poluindo a grade televisiva nacional com reportagens invasivas e sensacionalistas, recebendo gritantes números de audiência como recompensa. Nos EUA, certamente encontramos casos similares, e é esse tipo de trabalho que o excelente roteiro de Dan Gilroy ataca, retratando personagens sedentos por ângulos de câmera apropriados em uma e chefes de redação mais preocupadas com as consequências legais (literalmente zombando das morais) ao exibir assassinatos na TV aberta.

Gilroy também é responsável por um dos personagens mais fascinantes da última década, que é vivido com perfeição por Jake Gyllenhaal. Assustadoramente magro, o ator encara Bloom quase como uma máquina, ou algo que não é humano; um sujeito calculista, frio e aparentemente incapaz de se importar com os benefícios de alguém se não o dele, e seus olhos esbugalhados revelam que sua jornada é obsessiva. A cena em que um jantar amigável com a personagem de Rene Russo transforma-se em uma predatória extorsão é impressionante.

Como diretor, Gilroy mostra que aprendeu com a turma da franquia Bourne (seu irmão, Tony, é o diretor de O Legado Bourne e roteirizou a trilogia estrelada por Matt Damon), sendo hábil ao comandar algumas perseguições de carro intensas em cenários urbanos noturnos, bem fotografadas pelo diretor de fotografia Robert Elswit. Gilroy também revela-se um mestre na construção de tensão (vide a antecipação para o grande clímax, montado com perfeição por John Gilroy) e em momentos puramente cinematográficos, como o sutil plano onde revela que Lou roubou uma bicicleta. Por fim, James Newton Howard entrega aqui um de seus trabalhos mais memoráveis dos últimos anos com uma trilha sonora que captura o tom de uma Los Angeles perigosa e, ao mesmo tempo, cheia de oportunidades.

O Abutre é um filme importantíssimo, e falo isso não só como imenso admirador da Sétima Arte, mas também como estudante de comunicação. A estreia de Dan Gilroy é tanto um intenso e fascinante estudo de personagem quanto uma crítica, enfatizando (com razão), que abutres como Lou Bloom só irão se multiplicar.

Obs: Geeking -> Não deixa de ser curioso como o título original do filme (Nightcrawler) é um personagem dos X-Men, e no Brasil, o de um vilão do Homem-Aranha. Só isso mesmo.

| Se Eu Ficar | Crítica

Chloe Grace Moretz corre pelo hospital. Muito.

O que reside além da vida é o mistério definitivo desta. Só de se pensar nas infinitas possibilidades e as questões éticas, morais, metafísicas e sobrenaturais já é empolgante. Como o assunto consegue ser tão entediante e sub como este Se Eu Ficar, é algo digno de reconhecimento.

A trama é baseada no livro homônimo de Gayle Forman, centrando-se na vida de Mia Hall (Chloe Grace Moretz), uma jovem aprendiz que sonha em ser uma grande violocentista. Quando um acidente de carro a coloca em um coma, seu espírito vagueia pelas lembranças de sua vida, relações amorosas e familiares – enquanto decide se seguirá em frente ou permanecerá no mundo mortal.

É uma premissa que já vimos inúmeras vezes, a diferença é que no filme de RJ. Cutter é muito mais sem graça e sem inspiração. Os eventos que a jovem protagonista enfrenta são todos clichês (“devo ir à faculdade ou ficar com o namorado? Ele gosta de rock, eu de música clássica…”), idealizados e com apego barato ao espectador, que é forçado a engolir uma história de amor patética e sonolenta. O roteiro de Shauna Cross até consegue ser pontualmente envolvente quando traz referências musicais interessantes, mas falha ao fornecer força à sua mensagem: nos enche de frases feitas e recorre à colagens de flashbacks da família de Mia, só para atingir uma catarse que falha em decorrência de sua abrupta cena final.

E Chloe Grace Moretz, outrora tão promissora em filmes como Kick-Ass: Quebrando Tudo e Deixe-me Entrar parece estar se acomodando ao ordinário. Sua performance como Mia é boa e tem seus momentos – e a jovem realmente parece ter aprendido a tocar violoncelo, o que é impressionante – mas nada realmente incrível, além de ficar correndo o tempo todo por corredores do hospital. Outra que também prometia muito, Liana Liberato sai de sua performance corajosa e memorável em Confiar para a “melhor amiga” mais desinteressante da História. Só se salva Mireille Enos (da série The Killing), atriz cada vez mais forte em personagens coadjuvantes (você deve tê-la visto como “a esposa” em Guerra Mundial Z e Caça aos Gângsteres) e que precisa urgentemente ganhar um papel de protagonista no cinema.

Se Eu Ficar é um drama melancólico, sem graça e tão sem vida quanto sua protagonista desinteressante. Constantemente tenta provocar uma catarse no espectador, mas a única reflexão que me fez enquanto assistia ao filme é se eu iria aguentar ficar até o final.

| Caçada Mortal | Crítica

Liam Neeson é Matt Scudder

Que maravilhoso ver que ainda existem filmes como Caçada Mortal. Um thriller de detetve noir à moda antiga que entende as regras e não se julga esperto demais para tentar explodir sua cabeça com reviravoltas idiotas, preferindo seu foco em personagens e ambientação. Do jeito que se deve ser.

Adaptada da obra de Lawrence Block, a trama começa quando o detetive particular Matthew Scudder (Liam Neeson) é contratado para encontrar os sequestradores responsáveis pelo assassinato da esposa de um traficante de drogas (Dan Stevens), mesmo este tendo entregue o dinheiro do resgate. A busca (ou caçada… Mortal) o faz descobrir uma rede de crimes similares que o vai colocando cada vez mais próximo dos responsáveis.

É uma história objetiva e sem desvios. O diretor e roteirista Scott Frank deixa a ação de lado para se concentrar em uma narrativa densa e atmosférica, sempre com o personagem de Neeson em primeiro plano. Os flashbacks de seu passado traumático, assim como suas constantes visitas a um grupo de AA, funcionam para que Scudder seja multidimensional, mesmo que com motivações clichês. Felizmente, Liam neeson é sempre capaz de oferecer uma performance eficiente e que simpatize com o público, independente do filme; e aqui, ele consegue ir além do que um mero tira estereotipado.

Outro fator sobre a história que me deixa muito satisfeito é a ausência de uma grande reviravolta sem sentido, fator que geralmente estraga as produções recentes do gênero. Aqui, Frank se mantém ao básico: dois assassinos cruéis à solta, vamos atrás deles, arma-se o terceiro ato e é isso. Sem os elementos estapafúrdios que arruinaram outros bons filmes de Neeson, como Sem Escalas e Desconhecido. Mas admito que a conclusão se estendeu um pouco além do necessário, podendo ter facilmente se encerrado uns 10 minutos antes.

Como diretor, Frank é impecável. Desde o surpreendentes créditos de abertura em closes, até o tenso confronto em um cemitério, é de uma construção cinematográfica exemplar. O diretor de fotografia Mihai Malaimare Jr. traça uma Nova York escura e melancólica, dominada pelo cinza em cenas diurnas e coberta pelas sombras durante a noite; a presença da antecipação pelo Bug do Milênio (o filme é ambientado em 1999) também é interessante, quase como se a cidade estivesse sitiada pelo medo deste. Por fim, a discreta e pontual trilha sonora de Carlos Rafael Rivera fornece o tom apropriado à investigação.

Caçada Mortal é um eficiente thriller que me faz lembrar as histórias de detetives mais primordiais, atentando-se à uma fórmula sólida que funciona muitíssimo bem em sua cuidadosa execução.

Leia esta crítica em inglês.

| O Predestinado | Crítica

Ethan Hawke é um Agente Temporal Você talvez nunca tenha ouvido falar deste filme, mas não cometa o sacrilégio de perdê-lo. O Predestinado cheira àquelas bombas que atores como Ethan Hawke fazem só para descolar uma grana extra para pagar o aluguel, devidamente lançadas diretamente no mercado home video. Mas aí você para para assistir a esse curioso filme australiano, e se depara com um dos melhores exemplares de 2014.

Adaptada do conto “All You Zombies” de Robert A. Heinlein, a trama é ambientada em um futuro em que uma agência governamental usa viagem no tempo para impedir que crimes aconteçam. Perto de sua aposentadoria, o agente vivido por Ethan Hawke persegue um misterioso terrorista conhecido como “Fizzle Bomber”, tentando impedir seu grande ataque a uma metrópole. Ele descobre uma pista importante ao conhecer o enigmático personagem de Sarah Snook.

Nenhum dos personagens principais do filme tem um nome revelado, e há um ótimo motivo para tal. O roteiro dos irmãos Michael e Peter Spierig – que também assinam a direção – é perfeito em sua estrutura e na maneira com que explora seus conceitos específicos. O loop temporal é o mais fascinante, e entrar em detalhes sua presença no filme seria entregar spoilers e algumas reviravoltas realmente inimagináveis. Quando o filme tem início, somos levados da trama principal para uma história aparentemente aleatória, mas fundamental, sobre mudança de sexo envolvendo a personagem de Sarah Snook – que entrega uma performance multifacetada excepcional, e que infelizmente será esquecida pelas premiações.

Ainda assim, quando o filme acaba, percebemos como é “simples” sua jogada. A montagem de Matt Villa ganha mais força e concluímos como o roteiro dos Spierig é perfeitamente amarrado e fechado, como “a cobra que persegue seu próprio rabo” e também como um poderoso estudo de personagem. Seu conceito de paradoxos lembra bastante o também ótimo Looper: Assassinos do Futuro, mas o longa dos Spierig se sobressai por manter o foco no drama de seus personagens, ao invés da ação.

O Predestinado é um filme absolutamente envolvente e intrigante, se o espectador se deixar levar por sua narrativa sintuosa e um protagonista não muito confiante. Certamente um dos exemplares de viagem no tempo mais eficientes dos últimos anos. Imperdível.

Obs: o filme foi lançado diretamente para DVD e Blu-ray no Brasil, pela Fox Film.

Leia esta crítica em inglês.

| Jersey Boys: Em Busca da Música | Crítica

Dos palcos da Broadway para os palcos de um estúdio

Eu fico impressionado com o quão eclético é o Clint Eastwood diretor. Dos densos Além da Vida, J. Edgar e o ainda inédito Sniper Americano, o cowboy aposentado vai lá e faz esse Jersey Boys: Em Busca da Música, adaptação de um musical hit da broadway.

A trama é inspirada em acontecimentos reais, contando a ascenção e (claro) decadência do grupo The 4 Seasons, que contava com Frankie Valli (John Lloyd Young), Tommy DeVito (Vincent Piazza), Bob Gaudio (Eric Bergen) e Nick Massi (Michael Lomenda), quatro jovens da Nova Jersey dos anos 1960.

Se não achou nenhum dos nomes citados acima familiares, não se preocupe. É porque Eastwood optou por contratar os atores do musical da Broadway, em uma decisão ousada e arriscada. Garante números musicais eficientes ao filme, mas devo confessar que nenhum dos quatro demonstrou carisma o suficiente para comandar uma cena – mesmo que o recurso de quebra de 4ª parede auxilie-os na interação com o espectador. Vincent Piazza se sai melhor, mas porque seu personagem tem tons de cinza mais evidentes, e é sempre bom ver um sujeito cínico e auto-destrutivo em ação. Porém, temos lá Christopher Walken entregando seu sempre agradável type casting no papel secundário de um mafioso.

O que realmente me agradou foi a história, e os recursos visuais adotados por Eastwood. A começar pela fotografia, novamente assinada por Tom Stern, que abraça o cinza e as sombras, em nada assemelhando-se com um típico musical; geralmente colorido, ou mais estilizado (como Sweeney Todd, por exemplo). Tal decisão ajuda a estabelecer o tom (e também confere uma certa elegância, maturidade) da história, que naturalmente transita entre o drama, o humor e a tragédia enquanto cobre um espaço temporal de quase 30 anos – eventos bem selecionados e distribuídos pelos roteiristas Marshall Brickman e Rick Elice, autores também do musical. Tudo bem que a história abraça todos os clichês possíveis do gênero, mas envolve.

Ao mesmo tempo, a quantidade de eventos pode ser um problema. Ou melhor, a maneira com que Eastwood retrata como estes vão atravessando décadas. Por exemplo, em certo momento me assustei ao perceber que o protagonista já tinha uma filha crescida, mesmo mantendo exatamente a mesma aparência jovial do início da projeção. Sutileza é sagrado, mas assim já é demais. E quando a trama avança a ponto de termos os personagens já envelhecidos, Eastwood e seu departamento de maquiagem provam que não aprenderam nada com as pavorosas criaturas concebidas em J. Edgar.

No fim, Jersey Boys: Em Busca da Música revela-se um dos projetos mais divertidos e inesperados de Clint Eastwood, comprovando sua versatilidade e capacidade de reconstruir épocas e capturar o espírito de gêneros variados.

Obs: Eastwood faz uma cameo, anos mais jovem, em certo momento. Bem divertido.

| O Hobbit: A Batalha dos Cinco Exércitos | Crítica

É o fim? Galandriel vem a socorro do mago Gandalf

Se Uma Jornada Inesperada era uma longa e maçante introdução e A Desolação de Smaug um amontoado de eventos de transição, A Batalha dos Cinco Exércitos é todo clímax. A adaptação tripla de Peter Jackson chega ao fim e fica claro de uma vez por todas como a divisão de obras em múltiplos filmes é falha, dada a perda de estrutura. O último filme funciona pela ação, mas não é o bastante.

A trama começa logo após o final do anterior, com o dragão Smaug (Benedict Cumberbatch) partindo para destruir a Cidade do Lago. Enquanto isso, os anões liderados por Thorin (Richard Armitage) retomam o controle da Montanha Solitária, mas temem pela segurança do reino quando seu rei fica obcecado por poder e ouro. Também sedentos por poder, um vasto exército de orcs parte para tomar o reino dos anões, atraindo também uma legião de elfos para defendê-los. Ah, tem o hobbit Bilbo Bolseiro (Martin Freeman) no meio também.

Isso aí, o protagonista da trilogia é reduzido a um mero protagonista neste último filme. Tudo bem que é uma decisão aceitável, já que a atenção que Thorin ganha aqui é muito interessante, especialmente graças à seu desenvolvimento como personagem, incluindo sua memorável pegada sombria. Me surpreende que o roteiro de Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson e Guillermo Del Toro tenha gastado um tempo considerável com a mudança do personagem, conferindo um envolvente clima “guerra fria” para levar ao estopim da batalha principal do título, tensão que aliás é muito mais interessante do que a ação em si.

Com exceção do excepcional confronto inicial com Smaug (sempre uma presença marcante e assombrosa, um milagre de CG), não é uma ação realmente empolgante. Mais genérico do que o habitual, Jackson oferece os mesmos movimentos de câmera, planos fechados que não nos permitem acompanhar toda a ação e uma mão pesadíssima para momentos que almejam a epicidade – com o slow motion e os ultra closes – mas que beiram o ridículo, seja em trocas de olhares embaraçosamente longas ou as subtramas estúpidas que o time de roteiristas tenta enfiar goela abaixo. O triângulo amoroso de Tauriel (Evangeline Lilly) com Legolas (Orlando Bloom) e o anão Kili (Aidan Turner) é vergonhoso, a insistência no ganancioso personagem de Ryan Gage é irritante e inconclusiva, e o clichê do herói Bard (Luke Evans) lutando para proteger sua família simplesmente não funciona.

E mesmo que eu não seja o maior fã da trilogia O Senhor dos Anéis, reconheço que um dos pontos altos de A Batalha dos Cinco Exércitos é a série de conexões que este faz com essa história. Imagino que os fãs devam ter tido orgasmos quando a bela Galandriel (Cate Blanchett) se une a Gandalf (Ian McKellen), Saruman (Christopher Lee) e Elrond (Hugo Weaving) para uma batalha com o sinistro Saruman (voz e movimentos também de Benedict Cumberbatch), assim como os lindos créditos finais.

O Hobbit: A Batalha dos Cinco Exércitos é um bom entretenimento capaz de oferecer cenas de ação pontualmente empolgantes. Vale mais pela conclusão da história geral iniciada com Uma Jornada Inesperada, mas que fique evidente como a divisão de histórias em múltiplos filmes – ou melhor, pedaços de filmes – não funciona.