| Divertida Mente | Crítica

Raiva, Nojinho, Alegria, Medo e Tristeza

Ao escrever sobre Universidade Monstros em 2013, discorri sobre como a Pixar manteve uma inacreditável série de sucessos consecutivos que caiam nas graças do público e da crítica – geralmente com uma vitória no Oscar como último estágio. Sem entregar algo realmente digno de sua qualidade habitual desde Toy Story 3, em 2010, o estúdio de volta à boa forma com aquele que pode muito bem ser seu melhor trabalho: Divertida Mente.

A trama é concentrada nas emoções da jovem Riley: Alegria (Amy Poehler), Tristeza (Phyllis Smith), Nojinho (Mindy Kalling), Medo (Bill Hader) e Raiva (Lewis Black). Estas são responsáveis por controlar o humor, as memórias e a personalidade da garota, dentro de sua mente. Quando Riley enfrenta uma dura fase com uma mudança de cidade, nova escola e colegas, o grupo precisa evitar que esta sucumba a uma depressão.

Só pela premissa já é possível prever que a Pixar almeja por temas mais maduros aqui. Pete Docter (Monstros S.A. e Up: Altas Aventuras) e o co-diretor Ronaldo Del Carmen optam por uma animação com traços mais realistas e orgânicos para suas criações humanas (bem diferentes daqueles vistos em Os Incríveis, por exemplo), e o roteiro assinado por Docter, Meg LeFauve e Josh Cooley mergulha fundo na psique humana e cria um universo riquíssimo e original, onde ideias e memórias são representadas visualmente através de ilhas, labirintos e grandes desfiladeiros – trazendo à memória os trabalhos de David Lynch (como a brilhante sequência do pensamento abstrato), Tudo o que Você Sempre quis Saber sobre Sexo E tinha Medo de Perguntar (na própria representação de elementos emotivos como figuras físicas) e até A Origem (os labirintos, as grandes construções e o onírico).

Todo o sistema no qual os personagens interagem e se manifestam (até na distribuição de cores, com Raiva assumindo o vermelho e Alegria um forte tom de amarelo) funciona sem se perder na complexidade que certamente deixaria algumas crianças mais confusas. Logo na memorável primeira cena, aprendemos sem nenhuma linha de diálogo como cada emoção reveza a função na “Sala de Comando” e como os elementos inconscientes podem ser afetados por, por exemplo, a protagonista cair no sono – como o Trem do Pensamento. Também encontramos divertidas soluções dos roteiristas para fenômenos comum, tal como uma vinheta antiga que subitamente invade a memória e não sai dali ou a brilhante abordagem à produção de sonhos.

Mesmo que mais maduro do que poderíamos esperar, o filme ainda é uma aventura empolgante com emoções genuínas. É hilário quando necessita (muito se deve a um personagem colorido que prefiro deixar como surpresa) e também emocionante e catártico quando a história avança por terrenos mais complexos, de uma forma que há tempos o estúdio não era capaz de entregar. O inteligente roteiro também é ousado por manter Alegria e Tristeza juntos a maior parte do tempo, ilustrando de uma forma honesta e simples como as duas precisam uma da outra para coexistir, e não numa relação de antagonismo; residindo aí o grande trunfo da produção. E vale apontar que, depois do razoável Tomorrowland e do esquecível Jurassic World, Michael Giacchino enfim traz um grande trabalho este ano com a maravilhosa trilha sonora.

Engraçado, poderoso e completamente imaginativo, Divertida Mente representa o renascimento da Pixar de suas cinzas, finalmente recuperando seu alto posto com uma narrativa corajosa e envolvente. Ah, como é bom estar de volta…

Obs: Fique durante os créditos finais, vale muito a pena.

| Frank | Crítica

Frank: Michael Fassbender em uma performance desafiadora

Olhe fixamente para aquela cabeça gigante acima. O que você vê? O que ela quer transmitir com sua expressão fixa de peixe morto? Bem, só sei que durante meses de antecipação para o lançamento de Frank nos cinemas nacionais, sua cabeçona se tornou um ícone dentro de meus círculos de amizades, uma resposta que simbolizaria o simples “what the fuck?”. Durante boa parte da projeção do filme do irlandês Lenny Abrahamson, é exatamente essa a sensação.

A trama começa quando o criativo, mas fracassado, Jon (Domhnall Gleeson) vai buscando oportunidades para fazer sua música. Em um show de bar, ele conhece o grupo liderado pelo enigmático Frank (Michael Fassbender), que chama a atenção por constantemente usar uma cabeça gigante que esconde seu rosto. Contratado para ser o novo tecladista, Jon logo vai se acostumando com as excentricidades do grupo, visando apresentá-los no festival musical South by Southwest.

Frank é um filme incomum. Demora para que o roteiro de Jon Ronson e Peter Straughan realmente engate e mostre a que veio, constantemente brincando com as expectativas do público (como um repentino suicídio que acaba acionando um mini road movie em pleno segundo ato) e testando sua paciência. Boa parte do segundo ato concentra-se na banda criando músicas mais experimentais na cabana de Frank, pouco avançando a história, mas divertindo imensamente por nos jogar no meio da interação daquelas diferentes figuras, construindo também um estudo interessante sobre elas.

Frank, por exemplo, revela-se uma mente fértil ao encontrar inspiração em praticamente tudo ao seu redor. A sequência em que uma porta de madeira rangendo vai lentamente transformando-se numa nova composição do grupo é inspiradora, mostrando a eficiência da montagem de Nathan Nugent e também do trabalho de mixagem de som. A criativade do adorável cabeção é sutilmente contrastada com a obsessão de Jon em ser um sucesso, já que o diretor Lenny Abrahamson aposta em eficientes passagens em que o protagonista luta para encontrar inspiração (a cena inicial, quando junta pequenos detalhes de estranhos na rua é um exemplo), quase como um impulso forçado – enquanto Frank parece criar música espontaneamente, e é revelador que seu trabalho tenha uma significativa queda de qualidade (“Frank’s Most Likeable Song Ever!”) quando o festival vai se aproximando, já que o cabeção claramente vê na música uma forma de pura expressão, não fama.

E quanto à “cabeça dentro da cabeça”, resta dizer que Michael Fassbender teve um trabalho extremamente desafiador aqui. Como criar uma boa performance, capaz de dizer e significar muito sem o recurso mais valioso de um ator: o rosto? Escondido 90% do filme atrás da cabeça inexpressiva, Fassbender dá vida à Frank ao adotar uma postura física encolhida e dura, enquanto sua voz alterna estranhamente entre monótona e feliz. Aliás, o diretor de fotografia James Mather merece aplausos não só pelo trabalho acertado nas paletas de cor, mas por sutilmente iluminar de diferentes formas – e ângulos – a cabeça de Frank, quase criando expressões diferentes na mesma; ainda que não haja nenhuma troca na peça durante o filme.

Frank é um filme que diverte por sua estranheza, e pelo fascinante estudo que oferece a seu excêntrico personagem-título. Revela-se também uma obra que explora com esperteza as dificuldades da criação artística, e o real significado desta.

| Para Sempre Alice | Crítica

Julianne Moore é Alice Howland

Pode-se dizer que fazer filmes filmes com doenças como pano de fundo é uma maneira fácil de se arrancar lágrimas e, além disso, reconhecimento de prêmios. Pra se ter ideia, dos vinte indicados ao Oscar nas categorias de atuação deste ano, cinco representavam algum tipo de deficiência (e dez eram representações de pessoas reais, curiosidade). E, ao lado de Eddie Redmayne em A Teoria de Tudo, Julianne Moore levou o ouro por Para Sempre Alice, mas felizmente o filme consegue ser algo a mais do que um simples veículo para sua memorável performance.

A trama é inspirada na vida real – e também na obra assinada por Lisa Genova – da Dra. Alice Howland (Julianne Moore), uma conceituada professora de linguística da Universidade de Columbia que começa a sofrer os estágios iniciais do Mal de Alzheimer, mesmo que numa idade surpreendentemente baixa para os padrões da doença. Com a inesperada dificuldade, Alice precisa balancear o tratamento com sua família.

O maior risco de um artista ao embarcar numa narrativa desse tipo é a ultradramatização e a necessidade de arrancar lágrimas do espectador. Poucos filmes de memória recente ilustram esse cenário como A Culpa é das Estrelas, um filme com um ótimo roteiro que é prejudicado por uma direção pedestre, pretensiosa e. uma trilha sonora apelativa. Em parte, Para Sempre Alice também sofre com a fotografia excessivamente desfocada (olha, nunca vi uma webcam que conseguisse desfocar tão bem o fundo, quase num tilt shift) a fim de impactar o espectador com a luta de Alice, como se Moore não fosse capaz de fazer isso por conta própria. É um efeito artificial e que incomoda pela obviedade, mas que os diretores Richard Glatzer (falecido na terça-feira passada, 10) e Wash Westmoreland pelo menos sabem dosar.

Isso porque Alice consegue comover mais através de elementos mais sutis. Seja pela cena em que Alice fica aliviada ao encontrar seu celular após uma sequência tensa da perda deste (“Já faz um mês”, replica o personagem de Alec Baldwin para a filha, revelando o intervalo de tempo de uma cena para a outra) ou nos longos planos que acompanham apenas as nuances do rosto de Julianne Moore enquanto esta luta para preservar suas memórias, ou meras reações em diálogos simples – a dupla de diretores garante muito tempo de corte para Moore. E é realmente uma performance memorável, que a atriz não deixa cair no caricato ou num exagero gritante, conseguindo até inserir um pouco de bom humor (“Tomara que eu esqueça isso”, diz após derrubar papéis durante uma palestra) em meio à situação que lentamente vai se exacerbando.

O filme é todo de Moore, mas preciso dizer que Alec Baldwin merecia mais burburinho como o marido, John. É uma performance muito sutil e discreta, que consegue transmitir sentimentos complexos: Baldwin obviamente está preocupado com a condição de Alice, mas é possível encontrar sinais de raiva – pela esposa estar passando por isso justamente agora, em meio a uma mudança em seu emprego – e até impaciência, e eu me peguei prevendo uma iminente explosão. Não acontece, e a explosão resulta em lágrimas desesperadas com a filha Lydia (Kristen Stewart, mais do mesmo), em um clímax catártico para uma ótima atuação.

Para Sempre Alice não vai inovar em nada a maneira como doenças são retratadas no cinema, mas traz uma boa execução e performances excepcionais de Julianne Moore e Alec Baldwin. Funciona bem.

| Grandes Olhos | Crítica

Christoph Waltz e Amy Adams

Depois de anos mergulhado em histórias fantásticas povoadas por criaturas excêntricas como seu próprio estilo, Tim Burton resolveu parar e contar uma história sobre pessoas “normais”, e fico feliz que o tenha feito. Aguentei tudo que ele entregou até Sweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet, mas suas baboseiras com Alice no País das Maravilhas e Sombras da Noite quase jogaram Burton no limbo. Com Grandes Olhos, Burton meio que se redime.

A trama é inspirada na história real do casal Margaret e Walter Keane (Amy Adams e Christoph Waltz, respectivamente) um casal de pintores que vivia uma boa carreira na década de 60. Margaret pintava seus característicos quadros retratando crianças com olhos desproporcionalmente grandes, enquanto Walter bancava o empresário e vendia suas obras. O problema é quando Walter começa a assumir todo o crédito pelo trabalho de sua esposa.

Nada de fadas, bruxas, vampiros ou outros seres “Burtonescos”, como Johnny Depp ou Helena Bonham Carter. A história também não é ambientada numa vasta mansão ou numa floresta gótica criada por efeitos visuais, mas sim uma pacata cidade da Califórnia. É certo dizer que Burton não contava uma história tão comum assim desde Ed Wood (não por acaso, o melhor filme de sua carreira), que me atinge como a principal influência para Grandes Olhos: é uma história comum, mas o diretor não esconde seu estilo e sabe dosá-lo apropriadamente, de acordo com a demanda narrativa. O Walter de Christoph Waltz, por exemplo, é uma figura gritantemente cartunesca, seja em seus acessos de raiva ou risadas de vitória.

Visualmente, Burton sabe muito bem a hora de jogar um enquadramento mais chamativo/expressionista (a pausa dramática, embalada pela música de Danny Elfman, quando um vendedor pergunta pelo real autor de uma pintura pela primeira vez é magistral) ou liberar todo seu “instinto” quando a trama alcança um momento onírico, no caso a ida ao mercado onde Margaret se depara com diversas pessoas com os olhos imensos. Toda a direção de arte – dos cenários aos figurinos – é eficaz ao criar um mundo colorido e vibrante que a fotografia de Bruno Delbonnel captura com beleza, ainda que não roube a atenção para si; é tão belo quanto uma pintura.

Tudo bem que em certos momentos não parece que estamos diante de uma história real, dado a abordagem mais cômica de Burton. Novamente, o Walter de Waltz (olha, que sonoro) e a Margaret de Adams parecem habitar universos diferentes, já que a performance da atriz é bem menos discreta e mais sutil do que a de seu companheiro. E mesmo tratando-se de acontecimentos verídicos, o roteiro de Scott Alexander e Larry Karaszewski poderia ser mais ácido, ou oferecer mais profundidade à questão do que é realmente Arte; um tema que este apenas tangencia brevemente.

Grandes Olhos é um dos trabalhos mais eficientes que Tim Burton trouxe nos últimos anos. Deixou de lado as fantasias góticas para se dedicar a uma história sobre seres humanos, e mesmo que esta não tenha sido empolgante quanto poderia ser, fico aliviado em ver que o diretor ainda sabe contar histórias.

Obs: Crítica publicada após a pré-estreia do filme em São Paulo, em 24 de Janeiro.

| O Juiz | Crítica

Robert Downey Jr. e Robert Duvall

Em certo ponto do drama criminal/familiar O Juiz, eu só conseguia me perguntar “por quê?”.

Escrita por Bill Dubuque e Nick Schenk, a trama nos apresenta a Hank Palmer, um notório e egocêntrico advogado que ganha a vida defendendo as pessoas erradas. Quando sua mãe falece, ele é forçado a voltar à sua cidade natal para o funeral, convivendo com sua família disfuncional, liderada por seu pai, Joseph (Robert Duvall), respeitado juiz local. Quando Joseph é acusado de homicídio, Hank é obrigado a prolongar sua estadia e provar sua inocência.

Há muitos elementos potencialmente exploráveis em O Juiz. Nada realmente original, mas que se fosse feito com competência, renderia uma obra acima da média. Nas mãos do diretor David Dobkin (uma escolha incomum, já que Dobkin só dirigiu comédias, de Penetras Bons de Bico a Titio Noel), o já medíocre roteiro da dupla acima transforma-se num festival de melodrama do mais baixo nível, que junta todos os clichês (briga familiar, doença terminal, ex-namoradas) em uma narrativa arrastada e episódica. Dobkin pesa a mão no drama (a cena em que Hank assiste a filmes antigos com seu irmão funcionaria perfeitamente em silêncio, mas Dobkin carece da música de Thomas Newman…), mas inexplicavelmente traz um humor caricato e que não combina com sua abordagem dramática, como os personagens de Dax Sheppard e Billy Bob Thornton (este último, um advogado que daria um ótimo antagonista a Saul Goodman).

Visualmente, o diretor resolve em tratar tudo com grandiosidade. As cenas dos tribunais trazem movimentos de câmera estilizados, enquadramentos fortes e um trabalho de contra-luz do diretor de fotografia Janusz Kaminsky que faz Michael Bay parecer sutil com seu uso de luz (de verdade, os canhões de luz chegam a cobrir de forma nada elegante o rosto dos atores em certos momentos). Falando em – falta de – sutileza, Robert Downey Jr. parece decidido a interpretar Tony Stark para o resto de sua vida, o que é uma gigantesca pena. Sua performance é carismática como de costume, mas eu realmente gostaria de ver o ator experimentar coisas novas, ou ele cairá no mesmo limbo de piloto automático que consumiu Johnny Depp.

Admito que entretém ver Robert Duvall carrancudo e dando sermão pra todo lado (suas discussões com Downey Jr são ainda mais intensas), e a dupla de roteiristas acerta quando a trama se concentra no caso jurídico. Mas quando nos enfiam subtramas risíveis que poderiam ou não conter um caso de incesto, e quando a presença de Vera Farmiga é um elemento que prejudica o filme, sabemos que tem coisa errada por aí.

O Juiz é um festival de melodrama que não medirá esforços para emocionar o espectador, não importa quantos clichês ou artifícios baratos ele use. Traz bons momentos e uma boa presença de Robert Duvall, mas é um trabalho esquecível e falho.

| Livre | Crítica

Reese Witherspoon é Cheryl Strayed

O walkabout, ou a jornada movida a fim de uma epifania espiritual, é tema de diversas obras notáveis, tanto no cinema quanto na televisão, literatura, quadrinhos… You name it. Nos últimos anos, Na Natureza Selvagem certamente é um dos mais poderosos nesse quesito, e Livre segue de perto a fórmula do filme de Sean Penn.

A trama nos apresenta a Cheryl Strayed (Reese Witherspoon) em meio a uma longa trilha pela Pacific Crest Trail, dos EUA. Em meio a diversos lapsos e flashbacks, vamos aprendendo sobre seu passado sombrio, a relação com a mãe (Laura Dern) e as tragédias pessoais que a colocaram nessa súbita jornada para redescobrir a si mesma.

A estrutura quebrada (outra possível influência de Na Natureza Selvagem) é ao mesmo tempo a melhor e a pior coisa de Livre. É bom pois o roteiro poético de Nick Hornby é elegante ao nos revelar com cuidado o passado de Cheryl (deixando pistas aqui e ali, provocando mistério, antecipação) e também para fugir de uma narrativa mais convencional. Dessa forma, a montagem de Martin Pensa e John Mac McMuprhy (pseudônimo do diretor Jean-Marc Vallée) é ágil e eficiente ao transformar o longa em uma colagem de memórias, rápidos cortes que traduzem os pensamentos da protagonista e até repetições de cenas para pesar seu significado. Bem dinâmico, mas também torna a experiência um tanto inconsistente; eu achei, pelo menos, que as sessões do filme em que ele se fixava em um único espaço temporal eram superiores aos lapsos mais inconscientes de Cheryl. Pessoalmente, achei cansativo.

Felizmente, Valleé tem bom olho para capturar lindas paisagens e também no comando da história. Reese Witherspoon segura o filme e entrega uma excelente performance na pele de Strayed, sabendo dosar sua força com suas fraquezas: não é nenhuma princesinha mimada (ela repudia ser chamada de “Rainha” por um colega), mas também não é a Sarah Connor das trilhas, trazendo à tona seus traumas e as dificuldades físicas em sua jornada – sua luta inicial contra a gigantesca mochila é um bom exemplo. Já Laura Dern está adorável e simpatizante como a mãe ingênua e sonhadora, mas sua indicação ao Oscar é algo que sou incapaz de compreender.

Mais desafiador do que se poderia esperar da premissa, Livre é uma experiência interessante que traz boas atuações e uma narrativa ousada. Pode perder alguns espectadores no caminho (eu incluso), mas não deixa de ser um feito notável.

Obs: Durante os créditos, fotos da Cheryl Strayed real são exibidas. Além disso, ela tem uma pequena participação no filme.

Primeiro trailer de BIG EYES

Tim Burton se afasta um pouco do sobrenatural e do fantástico para contar a história real da pintora Margaret Kane (Amy Adams), e a relação com seu marido charlatão (Christoph Waltz). Big Eyes parece ser o primeiro filme de verdade do diretor em muito tempo, e torço que ele se recupere depois de sua sucessão de fracassos. Confira o primeiro trailer:

Big Eyes estreia em 25 de Dezembro nos EUA.

Confira o novo trailer de ANNABELLE

Depois do breve teaser, o spin off de Invocação do Mal, Annabelle, ganha agora seu primeiro trailer completo. Ainda não detalha completamente a história (o que é bom), mas revela mais alguns momentos de terror e sustos (não tão bom, quero guardar as surpresas). Enfim, confira:

Annabelle estreia em 9 de Outubro no Brasil.

| Planeta dos Macacos: O Confronto | Crítica

Malcom e Cesar

Se já é difícil fazer um reboot funcionar, imagina então a continuação de um reboot. Eu pessoalmente nem consigo acreditar que a Fox tenha acertado em cheio com Planeta dos Macacos: A Origem em 2011, sendo uma das grandes surpresas daquele ano e uma das mais eficientes retomadas de franquias até o momento. E se o trabalho de Rupert Wyatt já era competente o bastante, Matt Reeeves elegantemente eleva o nível da série com Planeta dos Macacos: O Confronto.

A trama se passa 10 anos após os eventos do anterior, com a humanidade praticamente devastada após a epidemia da Gripe Símia. Nos arredores do que um dia foi São Francisco, encontramos um grupo de humanos liderados por Dreyfus (Gary Oldman) lutando para sobreviver e obter novas fontes de energia. A solução é dada na forma de uma antiga represa hidrelétrica, que pode vir a reabastecer a eletricidade do grupo, mas no caminho está uma imensa colônia de macacos inteligentes liderada por Cesar (Andy Serkis). A fim de manter uma trégua, Malcom (Jason Clarke) e sua família são enviados para negociar.

Para um blockbuster de verão americano, Planeta dos Macacos: O Confronto é muito mais inteligente do que se poderia esperar. Compará-lo com uma obra como Transformers: A Era da Extinção, por exemplo, é um caso revelador: o filme de Michael Bay preocupa-se puramente em fazer rios de dinheiros com seu espetáculo de merchandising e emburrecer o espectador com sua ação retardada, enquanto o de Matt Reeves surpreende por oferecer um cuidado maior a seu roteiro e seus personagens. O texto de Mark Bomback, Rick Jaffa e Amanda Silver é simples em estrutura e temática, aprofundando-se sobre os frágeis laços que humanos e macacos tentam formar a fim de coexistir, mas a História nos ensina que é uma situação quase impossível de se manter de forma estável. O trio engenhosamente equilibra os pontos de vistas de humanos e símios, e até cria belos paralelos entre as posturas de César e Malcom (ambos evitam conflito, lidam com companheiros radicais que o provocam e são pais).

E o roteiro ganha ainda mais força graças à direção precisa de Matt Reeves. Já percebi que o cara era talentoso em Deixe-me Entrar (mas por ser remake, as pessoas tendem a esquecer), e aqui ele tem a chance de brilhar em um filme que provavelmente será visto por muitos. Com uma razão de aspecto maior (1:85:1) a fotografia de Michael Seresin é certeira ao criar um mundo pós-apocalíptico crível, sempre apostando em tons frios e azulados – e  também as luzes alaranjadas que Reeves adora – garantindo um clima incômodo à produção, que também se beneficia de uma belíssima direção de arte. E mesmo que Reeves seja capaz de criar alguns dos mais lindos momentos do ano (que incluem pequenos gestos e ações entre humanos e macacos), ele logo nos lembra do real status da situação: uma cena silenciosa e contemplativa do filho de Malcom (Kodi Smith-McPhee, como cresceu o moleque) lendo com um orangotango é brutalmente cortada por uma onde dois humanos praticam artilharia com metralhadoras, em um exemplo da tensão existente entre os dois lados.

É um trabalho tão consistente e profundo, que confesso ter ficado um tanto desinteressado quando a ação enfim chega. Digo, os efeitos visuais de motion capture são absolutamente perfeitos, conferindo expressão e emoções a seus personagens símios (e Reeves é corajoso ao apostar em diversos momentos em que estes comunicam-se apenas por sinais), além de oferecer mais uma chance de Andy Serkis mostrar seu incomparável carisma. O que reclamo, é que as batalhas não me comoveram tanto quanto os eventos que culminam nestas, ainda que Reeves consiga tornar a invasão símia à base humana uma cena tensa, bem montada e temperada com a ótima trilha sonora de Michael Giacchino – que aqui se inspira claramente no trabalho de Jerry Goldsmith, responsável pela música do filme de 1968.

Planeta dos Macacos: O Confronto é um dos melhores filmes da franquia, corajosamente apostando em momentos intimistas e em uma longa construção atmosférica. Os efeitos estão melhores do que nunca, e é revelador notar que estes chegam a empalidecer diante daquele que é o grande triunfo do longa: o coração.

Certamente é uma evolução do blockbuster americano.

Obs: O 3D, mesmo que “nativo” é decente, mas não acrescenta muita coisa.

| O Grande Hotel Budapeste | Crítica

Gerações: o ápice da carreira de Ralph Fiennes, a bela descoberta Tony Revolori

Foi com Moonrise Kingdom, em 2012, que adentrei no universo único e bizarro comandado pelo lorde Wes Anderson. De lá pra cá, pude conhecer melhor a carreira do diretor que inclui ainda Pura Adrenalina, Três é Demais, Os Excêntricos Tenenbaums, A Vida Marinha com Steve Zissou, Viagem a Darjeeling e O Fantástico Sr. Raposo. Ainda me restam duas obras para conferir, mas duvido que estas possuam o charme indescritível de O Grande Hotel Budapeste.

A trama é inspirada nos trabalhos do autor austro-húngaro Stefan Zweig, e se concentra no outrora luxuoso e prestigiado hotel europeu do título. A história tem início quando um escritor (Jude Law) entrevista o atual dono do hotel (F. Murray Abraham), cujo discurso regressa à década de 30 para narrar uma história de roubo de arte decisiva para o destino do local.

Em primeiro lugar, você já deve ter parado pra olhar o pôster desse filme. Eu me pergunto: quantas vezes já vimos um elenco tão incrível, estrelado e talentoso como esse? Poucas, de fato. Falar sobre cada um dos intérpretes que dividem a tela levaria tempo, então limito-me a dizer que estão todos impecáveis, e Anderson é perfeitamente capaz de distribuir suas respectivas participações. Claro que o divertidíssimo concierge de Ralph Fiennes (naquela que é certamente a melhor performance de sua carreira) e o mensageiro vivido pelo estreante Tony Revolori dominam maior parte da narrativa, mas o estelar elenco “coadjuvante” é perfeitamente capaz de brilhar em seus pequenos momentos; o que inclui a turma habitual de Anderson, trinca formada por Bill Murray, Jason Schwartzman e Owen Wilson.

Se você comprou ingresso para um filme de Wes Anderson mas nunca ouviu falar no sujeito, saiba que o cara é um dos profissionais mais autorais da Sétima Arte. Sua obsessão milimétrica pela simetria visual surge fortíssima em O Grande Hotel Budapeste, mas dessa vez beneficiando-se do genial design de produção de Adam Stockhausen, que acerta na arquitetura quase monárquica do hotel, ao mesmo tempo em que preserva características cartunescas típicas da carreira de Anderson. Aliás, vale mencionar como o diretor e o fotógrafo Robert D. Yeoman se divertem ao brincar com as diferentes razões de aspecto da tela: desde o formato 4:3 (imagem menor, num formato quadrado) para as cenas na década de 30, até o glorioso cinemascope nas cenas mais contemporâneas. É quase uma aula sobre a evolução da câmera cinematográfica.

E mesmo com todo o perfeccionismo plástico, o roteiro de Anderson jamais deixa de fascinar com sua bizarra trama. Essencialmente uma comédia com tons de heist, investigação e até mesmo de fuga de prisão, e sempre nos surpreende por seus rumos inesperados e as diferentes e multifacetadas figuras que movem suas ações. Há de parabenizar o excepcional trabalho de montagem de Barney Pilling, que não só é eficiente ao exibir cortes e transições dinâmicas, mas também pela decisão de iniciar a projeção de forma descontínua, encontrando a justificativa nos segundos finais.

O Grande Hotel Budapeste é desde já um dos melhores trabalhos de 2014, e comprova que o invencionismo visual de Wes Anderson não atrapalha na condução de uma história que abraça o nonsense. Pelo contrário, ajuda e diverte.

Caramba, talvez seja um dos filmes mais divertidos que eu já vi na vida.