Uau. Com o sucesso comercial e crítico de Garota Exemplar, David Fincher e Ben Affleck se reunirão em Strangers, projeto da Warner que serve como “reimaginação” do clássico Pacto Sinistro, de Alfred Hitchcock.
Gillian Flynn, de Garota Exemplar fica a cargo do roteiro, que promete algumas mudanças em relação ao filme original. Aqui, o personagem de Affleck será um ator que cruza o país em uma campanha para o Oscar. Quando seu jatinho particular quebra, ele pega carona com um estranho rico, que eventualmente oferecerá o “pacto sinistro” da troca de assassinatos…
Brincar com Hitchcock não é sábio, mas eu não poderia estar mais EMPOLGADO com o projeto.
Sem previsão de estreia. Será que 2016 é muito cedo?
Da esquerda para direita: Barry Sullivan, Lana Turner e Dick Powell
Nada no cinema pode ser mais metalinguístico do que o filme sobre filme, um gênero vastamente explorado, mas que rende raras obras-primas. Deve-se citar o clássico Crepúsculo dos Deuses, o francês A Noite Americana, o hilário O Jogador e eu até incluiria o recente Trovão Tropical como menção honrosa, dada sua ácida crítica aos bastidores de produções blockbusters. Mas dentre o vasto leque, encontrei uma pérola da qual nunca havia ouvido falar e, sinceramente, tampouco encontrei outros admiradores após minha descoberta. Trata-se de Assim Estava Escrito (The Bad and the Beautiful, no original), longa de Vincente Minelli que facilmente entrou para minha lista de filmes preferidos.
O roteiro oscarizado de Charles Schnee, originado de um argumento de George Bradshaw, traça uma narrativa com três histórias distintas sobre um único sujeito: Jonathan Shields (Kirk Douglas), um inescrupuloso e talentoso produtor de cinema em ascensão. Estas são contadas por um diretor (Barry Sullivan), uma atriz (Lana Turner) e um roteirista (Dick Powell), todos bem sucedidos em suas respectivas carreiras e familiarizados com o lado sombrio de Shields, que inegavelmente tornou-se um dos responsáveis pelo sucesso destes.
Assim Estava Escrito permanece como o filme com maior número de vitórias no Oscar sem uma indicação a Melhor Filme. Saiu com as estatuetas de Atriz Coadjuvante para Gloria Grahame, Roteiro Adaptado, Fotografia, Design de Produção e Figurino, além de uma indicação para Kirk Douglas como protagonista. Me dói não encontrar uma indicação na categoria principal (e nem em Montagem, mas chegaremos lá), já que o filme é um dos melhores representantes do gênero citado acima, servindo também como um fortíssimo estudo de personagem e um imortal retrato da Velha Hollywood. O texto de Schnee toma emprestado diversas figuras e produções cinematográficas para enriquecer seus jogadores: Shields é uma mistura do lendário produtor David O. Selznick (responsável pela produção de … E o Vento Levou), o diretor Orson Welles e um dos pioneiros do cinema-B, Val Lewton (que traz no currículo o terror psicológico Sangue de Pantera, homenageado aqui).
Há muitos exemplos assim durante o longa (incluindo pequenas paródias a Diana Barrymore e Alfred Hitchcock), que é basicamente um cautionary tale sobre a vida hollywoodiana. Kirk Douglas faz de Shields um homem ganancioso, megalomaníaco (em mais de uma ocasião, Shields arma uma situação teatral para conseguir coisas que se resolveriam em um simples diálogo) e manipulador, e que não parece sentir remorço nem mesmo quando suas ações se desmascaram na frente de amigos, e que usa o diretor, o roteirista e a atriz para atingir seus meios. Mas Shields, ainda que um ser humano detestável, é nada menos do que um gênio. Suas ideias e ações garantem dinheiro e reputação, e mesmo que estas consistam em traições e inimizades (“Não se preocupe, a maioria dos filmes bons é feito por pessoas que se odeiam”, “então faremos um ótimo filme”), só ajudaram as “vítimas” a crescerem em seus respectivos ramos. O icônico plano final é o atestado definitivo do que é Shields, e também uma divertida imagem que transborda de um sarcasmo delicioso.
Em sua duração de 2 horas, Minelli conduz as três narrativas com maestria, e mesmo que cada uma delas tenha uma identidade própria, o diretor não perde a mão. Vale apontar a belíssima fotografia em preto e branco de Robert Surtees, que brinca com as sombras e os tons de preto em um estilo noir e a excepcional montagem de Conrad A. Nervig, que mantém o equilíbrio nas três histórias e oferece transições maravilhosas, como aquela em que a imagem de uma estatueta do Oscar dissolve na figura de Shields ou o holofote de filmagem que logo se transforma em um canhão de luz de um tapete vermelho.
Recomendo fortemente que Assim Estava Escrito seja descoberto pelas gerações mais novas. Filmes como esse, impecáveis em direção, roteiro, elenco e praticamente todas as categorias técnicas (a trilha de David Raksin não me impressiona tanto, mas só) são um deleite para os interessados e estudiosos do Cinema, além de servirem tanto como um incentivo quanto aviso para aqueles que se arriscarem a seguir uma carreira na indústria do entretenimento.
E que gênios às vezes vêm na forma de um mal necessário como Jonathan Shields.
Acho interessante que Liam Neeson esteja dedicado a se tornar um grande astro de ação. O ator irlandês tem invejável carga dramática e já mostrou em produções medianas como Busca Implacável e Desconhecido, ou o ótimo A Perseguição, que é muito capaz de chutar bundas. Neeson já chegou a um nível em que o acompanharemos, não importa o tipo de produção (e a qualidade desta) em que se arrisque. Com Sem Escalas, temos um suspense que hora beira ao brilhantismo de Alfred Hitchcock hora nos lembra as comédias dos irmãos Wayans.
A trama gira em torno do agente federal William Marks (Neeson), encarregado de se misturar entre os passageiros de aviões e monitorar a situação, neutralizando possíveis ameaças. Em certo voo, ele recebe uma ameaça anônima via celular, requisitando 150 milhões de dólares ou a cada 20 minutos, um passageiro do avião será assassinado. Enquanto as suspeitas começam a se virar para Marks – um alcoólatra depressivo – ele corre para encontrar o responsável.
Outro fator que pessoalmente me interessou em relação a Sem Escalas é o “gênero avião”. A ambientação claustrofóbica e os diversos tipos de passageiros sempre me divertiram em obras como Plano de Voo, Voo Noturno e até mesmo o intenso Voo United 93, e o diretor espanhol Jaume Collet-Serra (com quem Neeson já havia trabalhado em 2011, com Desconhecido) é muito sábio ao explorar as diferentes convenções. Sua câmera passeia pelos estreitos corredores com imensa liberdade, sendo até capaz de simular longos e engenhosos planos-sequência. Todas as decisões de Serra auxiliam na construção de um pesado tom de suspense, que como todo bom filme do gênero, vai intrigar o espectador a respeito da identidade do antagonista.
O problema mesmo é quando o filme passa a marca de 1 hora. Os primeiros dois atos oferecem conceitos e promessas fascinantes, mas o roteiro dos novatos John W. Richardson, Christopher Roach e Ryan Engle é incapaz de oferecer uma resolução que faça sentido – dentro ou fora do contexto pré-estabelecido. É cheio de furos em relação à forma impossível com que as mortes vão acontecendo e simplesmente risível quando descobrimos o antagonista e seus motivos absurdos, que até tentam oferecer uma crítica aos padrões de segurança estadunidenses do pós-11 de Setembro, mas falham em decorrência dos absurdos e dos estereótipos forçados (CLARO que temos um árabe a bordo, CLARO que ele sofre com preconceitos…). E nem falo nada sobre os pavorosos efeitos digitais que invadem a trama nos últimos 20 minutos.
Vale por Liam Neeson, carismático como sempre. E durante sua primeira metade, Sem Escalas é assustadoramente eficiente em sua suculenta premissa, comandada com maestria pelo diretor. Infelizmente, o longa abandona tudo isso em uma conclusão absurda e implausível, ainda que seja divertido ver Neeson apanhando uma arma em gravidade zero.
Como diz o co-piloto do avião em certo momento: “Ah, que se foda!”
Um dos grandes clássicos da literatura americana ganha sua mais luxuosa (e melhor?) versão para as telonas. Baz Luhrmann traz uma pegaada pop e inovadora para O Grande Gatsby, e preparei este especial para analisar a produção e o impacto geral da obra – além de outras curiosidades que geralmente encontro. Vamos lá, old sport:
Uma brevíssima olhada sobre a importância e significado do romance O Grande Gatsby
A capa original do romancede 1925, pela Scribner’s
Escrito pelo americano Francis Scott Fitzgerald em 1925, O Grande Gatsby é considerada uma das melhores obras literárias de todos os tempos – e é vista como “um dos Grandes Romances Americanos” do Século XX. O livro ainda é leitura obrigatória em diversas escolas dos EUA e tema de análises que se extendem até hoje, sendo possido delimitar seus temas em dois tópicos principais: o sonho americano e a perseguição ao passado.
Ná época em que todos seguiam o “american way of life”, os EUA seguiam um ritmo festeiro que ficou conhecido como Era do Jazz – graças, também, à ascenção do estilo musical. O que os estudiosos em literatura apontaram, é como Fitzgerald captura o vazio na alta classe (Gatsby só dá todas as enormes festas para atrair seu amor perdido, perseguindo uma memória) e meio que “prevê” a quebra da bolsa de valores em 1929.
A luz verde: símbolo da ambição de Gatsby, do passado
Mas o que realmente me faz identificar com a trama (afinal, não sou estadunidense nem vivi na década de 20), é a questão do passado. Gatsby quer que quer recuperar os tempos gloriosos que passou com Daisy, é obcecado em alcançar a luz verde no fim do cais. É um desejo tão poderoso que o cega da realidade que habita.
O sentido vai além disso, então deixo aqui a mais poderosa escrita do livro para vocês tirarem suas próprias ideias:
Gatsby acreditava na luz verde, no futuro orgástico que ano a ano recua a nossa frente. Ele nos escapara então, mas isso não importava – amanhã correremos mais rápido, estenderemos mais adiante nossos braços… E numa bela manhã –
E assim prosseguimos, barcos contra a corrente, arrastados incessantemente para o passado.
Quem são os jogadores na Geração Perdida de Fitzgerald:
Jay Gatsby | Leonardo DiCaprio
Veterano da Primeira Guerra Mundial, o misterioso Jay Gatsby mudou sua vida ao abandonar seu passado de pobre para se tornar um poderoso milionário, mas com ligações suspeitas com a máfia de Nova York. Na esperança de reencontrar seu amor perdido, ele administra uma série de festas gigantescas em sua luxuosa propriedade no West Egg da cidade, na imortal esperança de que um dia Daisy Buchanan apareça.
Daisy Buchanan | Carey Mulligan
Daisy conheceu Jay Gatsby anos atrás, durante a guerra, e tornaram-se amantes até o momento em que este foi forçado a abandoná-la. Anos depois, ela está casada com o ricaço Tom Buchanan e mãe de duas filhas na propriedade de East Egg. Não demora para que ela reinicie seu romance com Gatsby quando os dois se reencontram, mas a moça encontra-se pressionada por seus dois amantes.
Nick Carraway | Tobey Maguire
Aspirante a escritor, Nick Carraway viaja para Nova York a fim de encontrar conexões de negócios. Se instalando no West Egg, ele aluga uma casa vizinha à mansão de Jay Gatsby e logo torna-se amigo do milionário, já que possui algo de seu interesse: é primo de Daisy Buchanan, e também servirá de ligação entre os dois. Carraway é o narrador da história e, no filme de Baz Luhrmann, escreve os eventos em um sanatório.
Tom Buchanan | Joel Edgerton
Colega de Nick Carraway e ex-jogador de futebol americano na faculdade, Tom é um sujeito de temperamento explosivo. Casado com Daisy e protetivo em relação a ela, esconde uma relação extra-conjugal com a esposa de seu colega mecânico, Myrtle. Com a entrada do misterioso Jay Gatsby em seu mundo, ele inicia uma investigação para encontrar os podres do sujeito.
Myrtle Wilson | Isla Fisher
Presa em um casamento infeliz com o mecânico George Wilson, Myrtle encontra pequenos momentos de felicidade ao encontrar seu amante Tom na cidade. Mantendo um apartamento escondido com este, ela espera embarcar em uma vida de maior glamour.
George Wilson | Jason Clarke
Um dos menores personagens da trama, é um mecânico proprietário de uma pequena oficina na cidade. Tem um casamento infeliz com sua esposa Myrtle, e nem desconfia do adultério. Fiquem de olho, ele será muito importante na resolução da história.
Uma breve análise sobre a trilha sonora pop do filme:
Tobey Maguire e Elizabeth Debicki curtem a balada do Gatsby
Em maio do ano passado, surgia o primeiro trailer de O Grande Gatsby. Além das belas imagens concebidas pelo diretor Baz Luhrmann, chamou muito à atenção a opção musical para embalar a prévia: uma canção pop de Jay-Z e Kanye West (No Church in the Wild) e outra rock de Jack White (em um cover de “Love is Blindness, do U2). Esse era apenas o passo inicial para a gigante coletânea que Luhrmann preparara para seu filme, uma das mais aguardadas dos últimos anos.
A história de Fitzgerald é ambientada na Nova York dos anos 20, embalada pela famosa “Era do Jazz”. Então, o que Florence + the Machine, Lana Del Rey, Beyoncé e tantos outros estão fazendo aí? A intenção de Baz Luhrmann ao trazer músicas modernas para um longa de época era justamente emular o efeito que o jazz causava nas pessoas, 90 anos atrás (porque, infelizmente, o jazz já não é mais tão popular atualmente).
Atrás do espírito festeiro, Luhrmann aliou-se ao músico Shawn “Jay-Z” Carter para recrutar os grandes talentos musicais da atualidade. Carter serve como produtor executivo do longa e ajudou no processo de gravação do álbum, que traz canções originais, covers e – o mais interessante – mixagens ao estilo jazz de músicas modernas (vide “Crazy in Love, que recebe saxofones e baterias em sua nova composição). Além do lado mais pop, Craig Armstrong entra para fornecer uma trilha sonora instrumental.
Confira a tracklist do álbum:
100$ Bill – Jay-Z
Quando toca: Gatsby apresenta Nick ao mafioso Meyer Wolfshiem
Back to Black – Beyoncé X André 3000 (Cover de Amy Winehouse)
Quando toca: O Flashback que revela a riqueza de Gatsby
Young and Beautiful – Lana Del Rey
Quando toca: Diversas vezes, a melhor delas, quando Gatsby apresenta sua mansão
Love is Blindness – Jack White
Quando toca:SPOILER, selecione para ler ->Atropelamento de Myrtle
Crazy in Love – Emeli Sandé & The Bryan Ferry Orchestra (Cover de Beyoncé Knowles)
Quando toca: Gatsby enche a casa de Nick com flores
Bang Bang – will.i.am
Quando toca: Primeira música na festa de Gatsby
A Little Party Never Killed Nobody – Fergie, Q-Tip & GoonRock
Quando toca: Segunda música na festa de Gatsby
Love is the Drug – The Bryan Ferry Orchestra
Quando toca: Brevemente, quando um dos personagens liga o rádio
Heart’s a Mess – Gotye
Quando toca: Segunda música nos créditos finais
Where the Wind Blows – Coco O.
Quando toca: Rapidamente, quando Tom encontra Nick e Gatsby em um restaurante
No Church in the Wild – Jay Z & Kanye West
Quando toca: Apresentação dos anos 20
Over the Love – Florence + The Machine
Quando toca: No pós-festa de Gatsby
Together – The XX
Quando toca: Diversas vezes, geralmente quando há menção à luz verde. E nos créditos finais.
Into the Past – Nero
Quando toca:SPOILER, selecione para ler -> Morte do Gatsby
Kill and Run – Sia
Quando toca: Última música durante os créditos finais
Por que Baz Luhrmann resolveu gravar o filme em 3D?
Os hipster pira: óculos 3D um pouco mais saudosistas
Quando foi anunciada uma nova adaptação para o romance O Grande Gatsby, de F. Scott Fitzgerald, muitos foram intrigados com a presença da tecnologia 3D na realização do projeto. O filme dirigido por Baz Luhrmann é o primeiro da nova leva de estereoscopia que não é utilizada em uma produção fantasiosa ou que apresente explosões e super-heróis.
Logo fica a questão sobre como o 3D, um artifício cujo propósito é diretamente ligado ao espetáculo, se encaixaria num longa ambientado nos anos 20. Bem, não é a primeira vez que o cineasta australiano promove adaptações radicais para obras clássicas (basta lembrar-se de seu ultra pop Romeu + Julieta), e aqui ele pretende fazer uso dos óculos tridimensionais para servir à narrativa. Inspirado pelo trabalho de Alfred Hitchcock em Disque M para Matar, Luhrmann afirmou que o 3D o ajudará na questão do distanciamento humano que a trama tanto prega.
Entrevistado na Cinemacon deste ano, onde exibira as primeiras imagens em 3D do filme, o diretor apostou nas atuações do filme como seu “grande efeito especial”. Ainda na comparação com o filme de Alfred Hitchcock, ele ressaltou a beleza que era apenas observar seu elenco atuando sob os efeitos tridimensionais, fornecidos pelas novas câmeras Red Epic 3Ality 3D rigs.
A presença do 3D em O Grande Gatsby nos faz lembrar o que James Cameron dissera em 2009, quando afirmou que “até mesmo dramas como Juno ficariam melhores no formato”.
Conheça as versões que a obra de Fitzgerald já ganhou para o cinema:
1926
Primeira adaptação da obra para o cinema – em plena década de 20, que timing – e também a mais fiel, de acordo com quem assistiu. Infelizmente nós do século XXI só podemos imaginar, já que o rolo de filme do longa encontra-se perdido. A única evidência de imagens é o breve trailer abaixo:
Até o Céu tem Limites (1949)
Como o filme de 1926 está perdido, pode-se dizer que esta é a versão mais antiga de O Grande Gatsby. Não assisti ao filme, mas ele traz Alan Ladd, Betty Field e Macdonald Carey como o trio protagonista de Gatsby, Daisy e Nick. Curiosamente, o longa de Elliot Nugent chegou ao Brasil com o título Até o Céu tem Limites.
1974
Certamente a mais popular de todas, o filme de Jack Clayton, com roteiro de Francis Ford Coppola, traz Robert Redford como Gatsby e Mia Farrow como sua amada Daisy. É uma adaptação fiel e que supera a versão de Baz Luhrmann no quesito roteiro, simplesmente por conseguir oferecer maior profundidade aos personagens secundários (como Myrtle e George Wilson). Mas só ganha nessa categoria, pois o filme – apesar da bela produção – desenrola-se com uma lentidão imprópria para algo situado na Era do Jazz.
2000
Feita como telefilme para a rede A&E, esta versão traz Paul Rudd (quando seu rosto não estava associado apenas às comédias de Judd Apatow) na pele do escritor Nick Carraway e Toby Stephens (que seria o vilão de 007 – Um Novo Dia para Morrer) como o milionário protagonista. É uma boa adaptação, ainda que Stephens não tenha nada do protagonista, portando um sorriso um tanto que maníaco – não é à toa que acabou enfrentando James Bond posteriormente.
G – Triângulo Amoroso (2002)
Única versão que troca a década de 20 por um período atual, o filme de Christopher Scott Cherot não é uma adaptação assumida da obra de Fitzgerald, mas traz claros elementos desta. A história preserva o personagem rico que almeja reconquistar um amor perdido, só que agora toma lugar na Hamptons dos anos 2000 – e conta com quase todo o elenco negro. G – Triângulo Amoroso foi pouquíssimo divulgado, o que torna tão difícil de encontrá-lo.
Com Baz Luhrmann fornecendo uma áurea pop ao Grande Gatsby, relembremos aqui outros casos de adaptações radicais:
Anna Karenina (2012)
Clássico da literatura russa de Leo Tolstói, Anna Karenina ousou em sua sexta adaptação ao trazer fortíssimos elementos teatrais para sua narrativa. Na versão de Joe Wright para a trama de adultério nas altas classes, a história se desenrola toda dentro de um palco de teatro, rendendo diversos momentos memoráveis ao fazer uso de cortinas, cenários de pano e outros esquipamentos do teatro. Pena que essa ousadia não foi o bastante para salvar o filme.
De Olhos Bem Fechados (1999)
Stanley Kubrick sempre foi conhecido por suas adaptações que diferem radicalmente da obra original. Talvez o exemplo mais forte dessa característica esteja em seu longa final, De Olhos Bem Fechados, que parte de um romance alemão ambientado na Viena da virada do Século XX. Kubrick atualizou a história em um século, mas manteu a questão sobre adultério – e o baile mascarado – em seu núcleo.
Romeu + Julieta (1996)
Também de Baz Luhrmann, é a mais popular versão para o clássico de William Shakespeare. A abordagem aqui inclui uma atualização da história para a década de 90- inserindo gangues, intrigas corporativas e armas de fogo na trama – mas mantendo a linguagem original da peça. A trilha sonora também adquire esse teor pop de O Grande Gatsby, mas é um caso de “ame ou odeie”. E eu odeio.
Menção Honrosa: Maria Antonieta (2006)
Trata-se de um roteiro original, e não de um adaptação literária, mas impossível não deixar de fora o filme de Sofia Coppola sobre a rainha Maria Antonieta. Aqui, é mantida a linguagem da época e todos os figurinos, mas Coppola oferece um tratamento pop (novamente) à trilha sonora – que inclui canções do tipo “I Want Candy” e The Cure – e no tratamento adolescente à protagonista; deixando até um par de all stars como easter eggs.
O especial de O Grande Gatsby vai ficando por aqui, mas não deixe de conferir a crítica do filme aqui no blog amanhã. Espero que tenham curtido, até mais, Old Sports!
É inegável o impacto que Psicose de Alfred Hitchcock teve na indústria cinematográfica, e que mantém-se até hoje. Não só impecável como narrativa e técnica, o longa de 1960 ajudou a abrir portas em diversos quesitos de censura e na elaboração de campanhas de divulgação que prezavam o sigilo em torno da trama. Com tamanha importância do filme, é frustrante que Hitchcock prefira se concentrar em dramas e caricaturas de seu criador ao invés do legado de seu produto.
Adaptada do ótimo livro Alfred Hitchcock e os Bastidores de ‘Psicose’ de Stephen Rebello, a trama acompanha o cineasta (Anthony Hopkins) em sua busca pelo projeto que seguiria Intriga Internacional. Na tentativa de se inovar, ele opta pelo livro de Robert Bloch e, aliado a isso, os desafios de uma produção independente e controversa.
É difícil transformar os bastidores de Psicose em um longa-metragem consistente, já que a produção não foi realmente tão conturbada. Claro, houveram inúmeras desavências entre o diretor e a Paramount e as filmagens chegaram a atingir um atraso de 5 dias, mas nada sensacionalista como o diretor Sacha Gervasi sugere; a cena do chuveiro, por exemplo, é retratada aqui como um incidente estressante e movido pela raiva de Hitchcock, mesmo que todos os envolvidos naquela produção tenham afirmado que as gravações de tal momento foram rotineiras e “normais”.
Mas isso não chega a ser uma surpresa, já que o longa já se assume como ficção ao iniciar sua narrativa com uma típica abertura do outrora popular programa Alfred Hitchcock Presents. É uma técnica muito divertida, mas incapaz de sustenstar os curtos 98 minutos de duração. É aí que os roteiristas John J. McLaughlin e Stephen Rebello erram ao introduzir uma trama secundária absolutamente descartável que traz a esposa do diretor, Alma Reville (a ótima Helen Mirren), trabalhando com o roteirista Whitfield Cook (Danny Houston), provocando reações ciumentas por parte do protagonista. Elementos clichês e formulaicos que só são suportáveis graças à dinâmica entre Mirren e Hopkins, cuja maquiagem e atuação levemente caricata se unem para dar vida a “Alfred Hopkins”.
E no quesito de explorar os sentimentos e pensamentos de Hitchcock, o longa é criativo ao apostar em delírios decorrentes onde o diretor tem conversas com o assassino Ed Gain (que foi a principal fonte de inspiração para o romance de Robert Bloch), que mostram não apenas sua obsessão pelo projeto, mas também suas principais fraquezas: “às vezes só queria que alguém dissesse que sou bom”, desabafa Hitch em certo devaneio. Diante dessa constatação, é admirável ver sua alegria sádica ao acompanhar a reação da plateia diante da estreia do filme – e também ver sua esposa ter o devido reconhecimento por suas fundamentais contribuições.
Deixando de lado eventos que poderiam ser interessantes (como o envolvimento do artista Saul Bass) e abraçando a fantasia, Hitchcocké uma experiência divertida e que ajuda a entender um pouco mais sobre o Mestre do Suspense e a ajuda fornecida por sua esposa. Mas no assunto do impacto e legado de Psicose, um documentário seria muito mais envolvente.
Obs: Tendo em mente todas as referências que traz a “Os Pássaros”, o filme daria uma eficiente sessão dupla com o telefilme “A Garota” da HBO, que é ambientado logo após o período de “Psicose”.
O filme sobre os bastidores de Psicose, clássico do mestre Alfred Hitchcock, acaba de ganhar seu primeiro trailer. Minha desconfiança quanto à maquiagem e o filme em si foram embora: parece ótimo. Confira abaixo:
Se você mora em São Paulo (capital) ou Rio de Janeiro e é fã do diretor Alfred Hitchcock, vai aí um programaço. CCBB RJ, CCBB SP e o CINESESC apresentam uma mostra com 59 filmes e 127 episódios de suas séries de TV. Bem, vamos nos organizar:
CCBB (RJ)
O Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro já começou sua exibição (no dia 1) e vai continuar até o dia 14 de Julho.
CCBB (SP)
O Centro Cultural Banco do Brasil da capital paulista começa sua exibição amanhã (15) e vai até o dia 17 de Julho.
CINESESC (SP)
O CINESESC da Rua Augusta começa a brincadeira no dia 8 de Julho e vai até o dia 17 de Julho (é a mais curta e inacreditavelmente não inclui Um Corpo que cai na programação).
Para conferir a programação completa dos eventos, entre no site oficial da mostra aqui.
Bem, é um ótimo programa para quem é fã do bom cinema. Vou esperar a exibição do CINESESC e postar algumas críticas aqui no blog. Até lá e boa sessão!
ATENÇÃO: A crítica possui spoilers sobre a trama. Recomenda-se apenas para quem já assistiu o filme.
Alfred Hitchcock contribuiu para o cinema de muitas formas, seja em técnicas visuais ou elaboração de suspense (o cineasta praticamente inaugurou o gênero) no desenrolar narrativo. O grande ápice de sua carreira, e também seu projeto mais famoso, é Psicose, uma inesquecível e surpreendente história de assassino, que mudou para sempre o gênero terror/suspense.
O longa acompanha a jovem, que pretende fugir com seu amante após roubar da agência em que trabalha, um envelope cheio de dinheiro. Com medo, ela deixa a cidade onde mora e pega a estrada, hospedando-se no deserto Motel Bates, onde as coisas fugirão do plano.
Desde seus minutos inciais, o diretor consegue prender a atenção do espectador ao apresentar a jovem Marion Crane que, mais do que tudo, quer passar dias felizes com seu amante. O que a leva a roubar o dinheiro de um cliente e fugir; mesmo errada, aceitamos sua justificativa e acompanhamos a personagem até sua estadia no Bates Motel, onde conhece o simpático proprietário Norman Bates, atormentado por sua mãe.
E todo bom cinéfilo sabe do desfecho: Marion é assassinada enquanto tomava banho – uma das mais bem elaboradas sequências de todos os tempos -, por quem parece ser, a mãe de Norman. É ousado e requer maestria para continuar a narrativa após a morte de sua protagonista, mas Hitchcock segura as pontas e torna o suspense ainda maior, pregando uma grande peça na mente do espectador sobre a identidade do assassino; notável, considerando que ele é o próprio Bates.
Após o assassinato de Crane, Norman praticamente assumi o manto de protagonista e o cineasta consegue passar a ele uma imagem de bom moço, mas com um leve nível de perturbação. Na verdade uma loucura, porque Bates tenta manter sua falecida mãe viva ao vestir suas roupas e usar uma peruca; o plano final com o rosto dos dois se dissolvendo é inesquecível.
Filmado com maestria e repleto de enquadramentos memoráveis, Psicose é uma deliciosa aula de cinema, com suspense intrigante e ótimas atuações. O melhor filme do mestre Hitchcock.
Inegavelmente um dos melhores filmes de Alfred Hitchcock, Janela Indiscreta é um suspense ágil e muito divertido. Partindo de sua premissa fresca de originalidade, o longa explora as possibilidades mais interessantes de suas situações, que se inicia com um simples ato de voyerismo e que o genial roteiro – carregado de frases marcantes – explora de maneira surpreendente.
Acidentado no trabalho de fotógrafo, Jeff (James Stewart) fica preso a um gesso em sua perna, sem poder sair de seu apartamento ou mesmo de sua cadeira de rodas, por alguns meses. Tomado pela monotonia (Citando uma grande fala do personagem: “Hoje é apenas uma quinta-feira monótona e sem graça. O calendário está cheio delas”.), acaba por adotar como hobby, o hábito de espionar com um binóculo todos os seus vizinhos e acompanhar suas atividades rotineiras.
Hitchcock mostra sua mão de mestre nessas cenas, onde acompanhamos longas tomadas das atividades vizinhas através da janela de Jeff e, assim o público sente-se mais aproximado desses coadjuvantes, que não possuem um grande papel no fio de história central, mas sua presença ajuda a caracterizar o universo criado pelo diretor e a torná-lo realista e palpável, como qualquer vizinhança existente, o que funciona muitíssimo bem; basta notar em como Jeff os trata, nunca sabendo seus nomes, apenas dando-lhes apelidos baseados em suas atividades, como “o músico”, a “sra. coração solitário”, entre outros. O que tirar disso? Que a vizinhança é formada por tipos tão diferentes, que qualquer um poderia morar no local. Qualquer um mesmo.
A trama fica ainda mais interessante quando Jeff suspeita de que um crime possa ter ocorrido em um dos apartmentos e é dominado pela paranóia de que um homem teria de fato matado sua mulher e estivesse eliminando evidências. Ele compartilha suas suspeitas com sua camareira Stella (Thelma Ritter) e sua namorada Lisa (a radiante Grace Kelly), que ajudam o filme a ter uma agradável dose de bom humor, equilibrando bem esses momentos com o suspense que toma conta grande parte do longa, que nunca abandona o apartamento de Jeff, culminando em um clímax inesquecível e irônico.
Desenvolvendo a situação sutilmente, mas sem tirar conclusões preciptadas (há sempre a possibilidade de Jeff estar enganado e não ter ocorrido crime algum), Janela Indiscreta é um grande filme, que equilibra um suspense terrífico com ótimo bom humor e um elenco excepcional.
Em pleno Festival de Toronto, estão sendo exibidos filmes que eu antecipo muito. Um deles, é o remake de Deixa Ela Entrar, Let Me In, dirigido por Matt Reeves. Surpreendentemente, as primeiras críticas sobre o longa são muito boas (alguns chegam a preferir o remake ao original), o que é raro para um remake, principalmente de um filme tão prestigiado.
Remakes aliás, são muito mais comuns agora do que antigamente. Sua existência é mesmo justificada pela oportunidade de apresentar uma nova “visão” sobre o filme? Ou seria a falta de ideias originais? Vale a pena dar uma olhada na qualidade e nos tipos de refilmagens que já tivemos.
A Nova Visão
Alguns remakes até que conseguem entregar o que realmente prometem: uma nova visão sobre o filme original. Muitos não sem bem-sucedidos, mas é possível encontrar produções recentes nessa categoria. Geralmente, não é um “remake oficial”, apenas a premissa é aproveitada, mas ela pode caminhar de modos diferentes e se passar em épocas diferentes. O melhor exemplo? Paranóia, claramente baseado em Janela Indiscreta.
Atualizando o suspense da década de 50 para os dias de hoje e o fotógrafo de perna quebrada para um adolescente cumprindo prisão domiciliar, o longa é bem produzido, cativante e, mais importante, não tenta se igualar ao magnífico filme de Alfred Hitchcock, criando sua própria estrutura e voltando-se especificamente ao público mais jovem; isso é ótimo, o remake pode servir como passagem para o original, uma maneira de descobri-lo.
Nem tudo dá certo, claro. O que me vêm a cabeça agora, é O Dia em que a Terra parou, que ousou refilmar o clássico da década de 50, trocando a discussão sobre a Guerra Fria e o perigo iminente de destruição nuclear por uma trama ecológica (que poderia ter funcionado) com argumentação muito fraca. Únicos pontos positivos residem na boa atuação de Keanu Reeves e no novo visual do GORT.
A Cópia
Quando um filme praticamente refaz quadro-a-quadro o original, não há muito o que discutir: Só existe porque provavelmente a obra é estrangeira e o diretor do remake só quer cortar algumas legendas… O melhor exemplo de um remake cópia que refaz o original exatamente como era, mas não o entende, é o medíocre Quarentena.
A trama segue exatamente o mesmo caminho, o cenário é idêntico ao do original, mas toda a simplicidade que resultava em um filme assustador é banalizada com maquiagens forçadas, cachorros infectados (o quê? Resident Evil?) e uma péssima protagonista. Se for pra fazer remake assim, não faça.
Por outro lado, alguns conseguem manter aqualidade do material original, refazendo-o quadro a quadro pelo mesmo diretor dos dois filmes, como por exemplo, o psicodélico Violência Gratuita de Michael Haneke, que simplesmente trocou o elenco alemão por um americano.
Ambos possuem o mesmo tom, os mesmos enquadramentos de cena e, basicamente, o mesmo roteiro. E devo admitir, se em Quarentena Jennifer Carpenter errou feio ao tentar se igualar à Manuela Velasco de [REC], Michael Pitt não só captou a persona de Frank Giering, mas entrega um trabalho tremendamente inspirado e até melhor, que por algum motivo insano como seu personagem, não recebeu nenhum prêmio.
A Homenagem
Basicamente, é aquele tipo de remake que faz ligeiras mudanças na história, ampliando-a e ganhando o toque pessoal do diretor. É o tipo mais comum de se encontrar e também o mais bem sucedido. Vale destacar dois filmes que, na minha opinião, ficaram melhores que o original.
A Fantástica Fábrica de Chocolate, por exemplo, teve seu remake dirigido por Tim Burton, que aperfeiçonou o original em todo aspecto possível. Têm mais estilo, é mais divertido, mais engraçado e o roteiro acrescenta informações interessantes, como um final mais elaborado e origens de alguns personagens. Claro, a canção dos oompa-loompas não se iguala a do original…
Podem me atacar e criticar a vontade, mas acho o blockbuster de Peter Jackson muito superior ao bem produzido longa de 1933. Além do óbvio avanço tecnológico, o remake é mais bonito, empolgante e tem muito mais coração do que o original.
O diretor recriou cenas clássicas, controlou um elenco é espetacular (Naomi Watts, perfeita. Jack Black, excelente) e fez uma bela homenagem ao original, que já tinha ganho uma nova versão com Kurt Russel, mas é melhor parar por aqui…
O Reboot
Não confundam, remakes e reboots são coisas diferentes. Semelhantes, mas distintas. Um reboot significa recomeçar uma franquia de maneira diferente, como está sendo feito com Homem-Aranha e Quarteto Fantástico e como foi feito brilhantemente na nova franquia de Batman.
Não sei decidir se os novos filmes de Sexta-Feira 13 e A Hora do Pesadelo entram nessa categoria ou na anterior, já que recomeçam a franquia, recriam algumas cenas, mas não seguem exatamente a mesma estrutura… Se alguém puder, comente e dê sua opinião.
Let Me In
Voltando ao caso de Let Me In, já comentei minhas expectativas na Primeira Olhada do filme, mas acredito que, além de conter uma nova visão, irá prestar uma bela homenagem ao sueco Deixa ela Entrar. O filme estreia em 8 de Outubro nos EUA e está sendo exibido atualmente no Festival de Toronto.
O filme ainda não tem previsão de estreia no Brasil.
Lucas Filmes 